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Discografía Oficial: Pink Floyd (Leído 17 646 veces)
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Sinfomusic. Foro de Rock
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Discografía Oficial: Pink Floyd
14.09.06 a las 21:20:33
 



     Post oficial de todas las reseñas de los discos publicados por Pink Floyd. Para realizar las valoraciones sobre estas reseñas hay que ir al apartado de Tópicos del subforo y buscar el post referido al disco.
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Sinfomusic. Foro de Rock
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Re: Discografía Oficial: Pink Floyd
Respuesta #1 - 14.09.06 a las 21:24:31
 
       Estos son los discos a reseñar y su fecha de publicación:


15/09/06
Biografía  
---> MrBrain

17/09/06
The Piper at the Gates of Dawn (1967)
---> Grimble

19/09/06
A Saucerful of Secrets (1968)  
---> Grimble

21/09/06
More (1969)
---> Grimble

23/09/06
Ummagumma (1969)
---> Edusenogul

25/09/06
Atom Heart Mother (1970)
---> Lajarin

27/09/06
Meddle (1971)
---> Mr. Green Genes

29/09/06
Obscured By Clouds (1972)
---> Enrique

01/10/06
Dark Side of the Moon (1973)
---> Snowgoose

03/10/06
Wish You Were Here (1975)
---> komun

05/10/06
Animals (1977)  
---> icrp1961

07/10/06
The Wall (1979)
---> Grimble

09/10/06
The Final Cut (1983)
---> Ubik

11/10/06
A Momentary Lapse of Reason (1987)
---> Edusenogul

13/10/06
The Division Bell (1994)
---> Enrique

01/03/16
The Endless River (2014)
---> Edusenogul




           
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Pink Floyd:The Piper at the gates of dawn
Respuesta #2 - 17.09.06 a las 01:23:35
 

The Piper at the gates of dawn

(1967)


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Para todos aquellos que se hayan iniciado con los grandes clásicos floydianos como “the dark side of the moon” o “the wall”, escuchar este disco ( y los tres siguientes) le podría causar cierta “paradoja”, posiblemente nos ha pasado a muchos, que por edad (y ubicación), no hemos podido vivir en directo la evolución de este “dinosaurio” de 40 años de edad. También se da el caso de que aquellos que se iniciaron con este disco niegan los siguientes trabajos como Pink Floyd... en fin, la polémica esta servida, pero esta claro que hoy en día al nombre de Pink Floyd en lo primero que piensa uno es en “another brick in the wall”, “money” o “wish you were here”. Sin embargo, hablar de “the Piper at the gates of dawn” es hablar de mucho más que este banal debate (a fin de cuentas, lo que permanece es la música), hablar del “piper” es hablar del testamento musical que nos legó Syd Barrett (al margen de sus obras en solitario y su labor como pintor). Sus visiones sobre nomos, la infancia, el I ching, viajes estelares y bueno, vale... el LSD, se plasman aquí a modo de oráculo personal.

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Los primerisimos floyd

Pink Floyd ya venían encumbrados como los reyes del underground londinense antes de grabar este disco, gracias a un puñado de singles entre los que destacan “arnold lane” y “see emily play”, a su participación en el film “tonight let´s all make love in London” (Peter Whytehead), a las legendarias actuaciones en el UFO incluidas las rivalidades con soft machine por ver quien tenia el espectáculo más psicodélico y a la revista IT. Con estos antecedentes la obra consiguió un 6º puesto en las listas de éxitos británicas.
“The Piper at the gates of dawn” se grabó entre marzo y julio de 1967, el estudio 3 de Abbey Road, coincidiendo en el tiempo y en el espacio con la grabación del “stg. peppers” de los beatles quienes influyeron poderosamente en Syd, especialmente John Lennon de quien copiaba, se dice, hasta el acento. El álbum fue producido por Norman Smith .
Prácticamente todas las canciones están compuestas por Syd Barrett, él no solo dio un nombre al grupo sino que también dio un sonido característico; el álbum se abre con “Astronomy domine”, pieza de inicio cósmico con un desgarrador riff marca de la casa Barrett, y que nos cuenta un viaje lisérgico a través del vacío. Ciertamente se podría hablar en este disco de canciones influidas por el LSD; “Flaming”, relacionada con las sensaciones que producía dicha sustancia, “Chapter 24” inspirada en libro I ching del confucionismo que era una obra base en la reciente cultura del LSD.


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Syd


 Pero no solo de sustancias alucinantes se alimentaba la imaginación de Syd. Una gran influencia en su obra fue la literatura infantil, especialmente el libro de Kenneth Grahame, “el viento en los sauces” (obra adaptada al cine por los monty python que tanto gustaban a todos los miembros del grupo); de su capítulo 7 esta tomado el nombre del disco y su influencia se deja ver en piezas como “The Gnome”, la cual se puede asociar también con el Frodo de “El señor de los anillos”, obra cumbre de Tolkien y glorificada por el movimiento hippy, por cierto, el protagonista de esta canción es un tal nosequé Gromble Guiño. Y no solo la literatura infantil, sino la propia infancia del cantante, el cual muestra el amor a su familia y la nostalgia de la infancia en “Matilda mother”, “The scarecrow” o “Bike”, que parece ser la visión de lo que tiene que ser una canción de amor por Barrett.
Faltaría hablar de una de las piezas más importantes del disco, “interstellar overdrive”, un instrumental totalmente desfasado, que en directo daba lugar a extensas e intensas improvisaciones y que suponía el delirio del espectador más underground. Y también “lucifer sam”, “pow r. Toc h.” y “take up thy stethoscope and walk”, canción que supone los primeros pinitos de Waters como compositor, que resultan intrascendentales en el conjunto de “Piper”.


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En la playa con Arnold Layne


Después de este disco los excesos y el crecimiento imparable de una enfermedad acabarían con la capacidad creadora de Barrett y darían paso a la leyenda. En cualquier caso, y gracias a temas como “Astronomy Domine” o “Interstellar overdrive”, dejaria las bases sobre las cuales sus compañeros, a base de mucho esfuerzo, desarrollarían el sonido floyd, pero no solo en lo musical, también en lo afectivo, en lo emocional, la figura de Syd estaría presente en obras como “dark side of the moon”, “wish you were here” o “the wall”.

Curiosidades:
-      La voz al comienzo de “astronomy domine” es del por entonces manager de la banda Peter Jenner.
-      “What´s the shame Mary Jane?” es una canción que descartaron los Beatles pero que gustaba mucho a Syd, al cual se le puede escuchar interpretándola en diferentes piratas.
-      La inspiración para “astronomy domine” viene de una fiesta donde se prepararon unos terrones de azúcar empapados en LSD sin que Syd lo supiese.



Dedicada a los diamantes locos y brillantes

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Pink Floyd: Reseña "A SAUCERFUL OF SECRETS"
Respuesta #3 - 18.09.06 a las 23:39:38
 
A SAUCERFUL OF SECRETS

(1968)


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La verdad, confieso que, siendo a saucerful of secrets uno de mis discos favoritos de Pink Floyd y uno de los primeros que me compré hace ya muchos años, no tengo ni idea de cómo comentarlo o reseñarlo dado lo improvisado y poco tiempo que he tenido de por donde enfocarlo, así que tal vez lo mejor sea dejarse llevar un poco por la nostalgia e intentar recordar aquellas emociones adolescentes que suponían los primeros contactos “serios” con la música; Posiblemente un viernes por la tarde, día gris y lluvioso, tengo puesto este disco. Le doy a play y dirijo la vista hacia el mar desde la ventana de mi cuarto, empieza “let there be more light” y a través de la lluvia se abre un pasillo hacia lo desconocido, un viaje sin miedo, uno se olvida de los exámenes que tiene a la vuelta de la esquina, pero de inquietudes varias... ¿qué demonios me indica ese órgano que suena?¿Estoy atravesando la India o estoy escuchando la música de unos alienígenas?
Suena “remember a day” y uno no puede menos que pensar en algún amorío imposible de juventud, pasear por un verde prado acompañado de su musa, pero pronto se oscurece todo, hay que prepararse para el viaje cósmico hacia el corazón solar, “set the controls for the heart of the sun” y que no se os escapen o las consecuencias serán...
...Estoy en medio de una batalla, todo es locura, desfase, suenan bombas por un lado y por el otro y en medio de ese caos con “corporal clegg” de fondo, veo a un soldado con pata de palo celebrando una extraña visión de esta guerra... y pronto me quedo solo entre cadáveres y ruinas mientras “saucerful of secrets” pone una perfecta banda sonora a esta desolación... desolación que desemboca en miedo y huyo, no me doy cuenta y caigo por un acantilado abro los ojos y el mar desaparece, sigo cayendo pero ya no tengo miedo, me acompaña una celestial música ¿un réquiem? Me da igual, lo negro se vuelve blanco y estoy bien, así que el resto me da igual...
El viaje se esta acabando y me entristezco, he caido sobre una nube, jo... como Heidi; “see saw” me siento relajado y rodeado de extrañas presencias amistosas me acompañan de vuelta a mi casa. “Jugband blues” y vuelvo a la tierra, ¿escucho el canto del cisne? No lo se, pero vuelvo a escuchar la lluvia contra el cristal, me siento en mi escritorio, para la semana hay tropecientos exámenes...

............................................

Bueno, imagino que querréis algo más serio, ¿no?.  A saucerful of secrets supone el disco de los 5; la grabación del cambio, donde se produce la transición de Barrett por Gilmour, un cambio desagradable, con sentimientos de culpa por parte de Waters o Gilmour o la pena por la despedida por parte de Wright, en este sentido me gustaría destacar el single que la banda habia grabado previamente a este disco, se trata de la pieza “julia´s dream”, uno de los temas que más me gustan de estos primeros floyd, compuesta por Rick Wright y que ya contiene más de un pesar por el estado de su amigo, por cierto, escuchadla atentamente si podéis y prestad atención en los últimos segundos.
La portada corre a cargo de Hipgnosis, o sea Storm Thorgerson, amigo de Syd Barrett, que consiste en una serie de 13 imágenes superpuestas que crean un efecto de lo más psicodélico.


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Discografía Oficial: More
Respuesta #4 - 21.09.06 a las 15:57:29
 


   
MORE

(1969)


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More es la primera banda sonora de cine editada de forma oficial por el grupo, pero en realidad no es el primer trabajo de este tipo que realizaban, antes ya habían participado en el proyecto “tonite let´s all make love in London” y también habían realizado la banda sonora de “The Committee” de Peter Sykes y donde por cierto ya se podía escuchar una versión embrionaria de “Carefull with that axe eugene”. Me gustaría pararme un momento para destacar la relación entre música e imagen dentro de la trayectoria de Pink Floyd; desde sus inicios las composiciones del grupo han estado ligadas a su puesta en escena, míticos son ya los “light shows” efectuados en clubes como el siempre mencionado UFO, donde lo que se pretendía era ofrecer un estímulo no solo auditivo sino también visual, e in cluso a través del gusto y el olfato, ya que muchas veces en estas fiestas se podían degustar “extrañas” recetas de pasteles y otras delicias... Visto  así, la relación con el cine era un paso obligatorio para el grupo en su evolución audiovisual, de hecho sus megaespectáculos, muchas veces injustamente criticados no son sino consecuencia de dicha evolución.
Pero volvamos a More; este film dirigido por Barbet Schroeder y protagonizado por Mimsi Farmer y Klaus Grunberg es un retrato del movimiento hippy y especialmente supone un descenso a los infiernos en torno a una relación explosiva que supone el amor y la droga. Gran parte de la película transcurre en Ibiza. No tuvo mucho éxito y apenas fue exhibida en los USA y Francia, donde sirvió de vehículo para dar a conocer a Pink Floyd y donde además la película estuvo a la altura de otros títulos como el clásico “easy rider; buscando mi destino”. 
Para grabar la música, los floyd solo tuvieron 8 días para realizar esta obra, frente a este problema sin embargo, obtuvieron algunas ventajas; se quedarían con los derechos de la música y tendrían por primera vez, la oportunidad de producir el disco ellos solos. El resultado es un trabajo bastante entrañable ya que de aquí surgieron pequeños clásicos del repertorio en directo como “green is the colour” o la fantástica “cymbaline” que en directo podía dar lugar a extensas improvisaciones lideradas bien por Gilmour, bien por Wright. Hay otras piezas destacables como “the nile song”, un tema muy potente y feroz en una onda claramente heavy, o “a spanish piece” aunque solo sea por el intento de Gilmour de tocar algo similar al flamenco, además supone la primera pieza firmada por el solo para el grupo. El resto de piezas se adaptan a la narración visual del film con algunos cortes con un componente un tanto experimental como “up the Khyber” o “quicksilver”.
Muchas de las piezas de More fueron utilizadas en el proyecto de The man & The journey; esto es, el intento de plasmar musicalmente la cotidianidad de una persona. El resultado no se llegó a materializar en forma de lp, pero sí como conciertos, así podemos apreciar en forma de piratas el resultado de dicho proyecto. Las piezas tomadas de More fueron “quicksilver” rebautizada como “sleep”, “cymbaline” como “nightmare” y “green is the colour” como “the beggining”.
La portada del disco fue realizada por Hipgnosis, no se trata de una portada, digamos mítica, pero a mi me resulta al menos cautivadora; representa al protagonista luchando contra un molino de viento cual Quijote, a mi, al ver esta escena me cuesta resistirme a no pensar en Syd Barrett... ¿vosotros?

Las frases:
-      “Al parecer, el cine es la respuesta para nosotros en este momento. Sería bonito hacer una película de ciencia ficción; nuestra música esta bastante orientada en ese sentido” (Rick Wright)
-      “Mi mayor pesar es no haber hecho la banda sonora de 2001: una odisea del espacio” (Roger Waters)
-      “Empiezas de cero en el estudio y trabajas hasta que aparece algo recortas algunas cosas y preguntas “¿Qué te parece algo así?”, luego lo elaboras un poco más” (David Gilmour)


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Edu Senogul
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Oyescuchando y Observabsorbiendo

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Discografía Oficial: Ummagumma
Respuesta #5 - 22.09.06 a las 15:53:43
 
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PINK FLOYD - UMMAGUMMA (1969)

LIVE ALBUM:

01 - Astronomy domine
02 - Careful with that axe, Eugene
03 - Set the controls for the heart of the sun
04 - A saucerful of secrets

ROGER WATERS: Bass, vocals.
DAVID GILMOUR: Guitar, vocals.
RICHARD WRIGHT: Organ, Mellotron, keyboards, vocals.
NICK MASON: Drums & percussion.

STUDIO ALBUM:

01 - Sysyphus (part 1)
02 - Sysyphus (part 2)
03 - Sysyphus (part 3)
04 - Sysyphus (part 4)
05 - Grantchester meadows
06 - Several species of small furry animals gathered together in a cave and grooving with a pict
07 - The narrow way (part 1)
08 - The narrow way (part 2)
09 - The narrow way (part 3)
10 - The grand vizier's garden party (entrance)
11 - The grand vizier's garden party (entertainment)
12 - The grand vizier's garden party (exit)

ROGER WATERS: Bass guitar, tape, guitar, gong, vocals (05, 06).
DAVID GILMOUR: Guitar, vocals, keyboards, bass, drums, Mellotron (07-09).
RICHARD WRIGHT: Organ, Piano, Mellotron, Keyboards, vocals (01-04).
NICK MASON: Percussion, drums, tympani, tape (10-12).  
LINDY MASON: Flutes (10-12).


 Hablar de una agrupación como Pink Floyd, tan importante en el devenir de la música popular de la segunda mitad del siglo XX en general y en los estilos más "progresivos" (en el sentido más literal del término) en particular, sin dejarse llevar por la pasión es una tarea bastante difícil, aunque no imposible. Pink Floyd es un nombre que ha estado ligado siempre a los ámbitos más innovadores dentro del trinomio música-literatura-tecnología en función de una categoría que se podía denominar como "conceptual". El caso que nos ocupa, su obra discográfica "Ummagumma", habla en favor de esto último siendo un avanzado paso adelante en la búsqueda por la experimentación y por la construcción de un discurso artístico sólido y coherente. Para muchos, esta obra supone una isla en la trayectoria discográfica del grupo (en comparación, además, con la diversidad de etapas del grupo).

 "Ummagumma" aparecerá editado el 25 de Octubre de 1969, un muy buen año musical que había sido propiciado por los continuos avances técnicos (instrumentales y en cuanto a medios de grabación en estudio) y la gran difusión del rock más eléctrico y avanzado (debido sobre todo a las reminiscencias del fenómeno hippie y la naciente cultura "underground", los ácidos lisérgicos y festivales como los realizados en la Isla de Wight o Woodstock). Miles Davis presentaba dos propuestas que revolucionarían el mundo del jazz, anunciando una fusión más eléctrica con elementos rockeros y feroces improvisaciones ("In a silent way" & "Bitches brew"), algo a lo que también se acercaba Frank Zappa por otros caminos, también en relación con la música académica contemporánea y la estética collage de autores como Edgar Varese ("Hot rats"); The Beatles contrarrestan con su artesanal y delicado "Abbey Road", aunque anteriormente graban "Let it be" (aunque se edite un año después), el cual será parodiado en el "Let it bleed" de los Rolling Stones ese mismo año; The Who desarrollan el concepto de ópera-rock con una de las más famosas y recordadas del género: "Tommy"; Santana presenta su fusión de música latina, jazz y rock, con fuertes dosis de improvisación (en una estela Jimi Hendrix-Cream) en su homónimo debut; Jethro Tull sigue explotando su fórmula asentada de blues eléctrico con toques progresivos e influencias del jazz y de la música clásica en "Stand up"; agrupaciones embrionarias de un primer concepto de rock sinfónico como Moody Blues ("On the threshold of a dream"), Procol Harum ("A salty dog") o The Nice ("Nice") siguen desarrollando sus propuestas, en donde el rock y la música clásica protagonizan diferentes retroalimentaciones muy interesantes... Pero 1969 también supone el debut de muchas formaciones, como es el caso de Genesis ("From Genesis to revelation"), Yes ("Yes"), Van der Graaf Generator ("Aerosol Grey Machine") y una de las obras más importantes y decisivas para el genero: "In the court of the Crimson King" de King Crimson. También hay que reseñar el desarrollo del Kraut-rock en Alemania, con los debuts de Can ("Monster movie") o Ammon Düüll II ("Phallus dei"), o la gestación de lo que sería el primer disco de Tangerine Dream que se editaría en 1970: "Electronic meditations". En este contexto se desarrolla "Ummagumma", por lo que es lógico que a su vez tenga algo de todo eso ímplicito en su sonido.

 El álbum, que supuso el cuarto trabajo de Pink Floyd editado hasta el momento (tras "The piper at the gates of dawn", "A saucerful of secrets" y la BSO de la película "More", de Barbet Schroeder) supuso una apuesta bastante arriesgada. Por una parte era un álbum doble, presentando por un lado una selección de repertorio anterior del grupo en directo y por otro un trabajo en estudio; además, el "Studio album" estaba dividido en cuatro secciones en donde cada miembro del grupo se ocupaba de la composición, concepción, interpretación y arreglos de su respectiva pieza. Por ello, el resultado de la individualidad artística de cada miembro de Pink Floyd se traduce en una arriesgada paleta de imágenes musicales difíciles de asimilar para el oyente (al enfrentarse a cuatro mentes creadoras muy diferentes) que retoman influencias muy variadas, desde inspiraciones en la música académica del siglo XX (como la Escuela Polaca, Bartok o la Música Concreta), el folk, la música de cámara de gusto más clásicista (o a veces de ámbito cortesano medieval) e incluso ciertos ecos de experimentación psicodélica más presente en sus discos anteriores. En ese sentido, ese tipo de experimentación en la composición también se podría relacionar con otros trabajos como los dos volúmenes de "Works", de Emerson, Lake & Palmer (1977), en donde cada miembro del grupo opta por desarrollar sus inquietudes por separado, aunque posteriormente se unen en algunas piezas (lo que me parece muy acertado), configurando una inusitada variedad en un mismo CD, lo cual puede resultar ciertamente experimental ¿No os parece? ¡Desde formato clásico puro y duro con orquesta, boogie o blues con piano solo, balada folk en formato acústico, jazz o funk con big band o rock progresivo con grupo eléctrico!

 Por otra parte, también me gustaría destacar la portada principal de este trabajo, en el que se sigue experimentando con diferentes montajes visuales, algo que llevaban cultivando en sus diseños pasados, en donde se juega con distorsiones y coloraciones de la realidad. En el caso que nos ocupa se trata del efecto del espejo, el cual a pesar de formar parte del cuadro lo refleja en su totalidad pero más pequeño, y así sucesivamente ("el cuadro dentro del cuadro"). Lógicamente, dentro de cada reproducción cambian algunos factores, como la posición de los miembros. Aquí os indico un enlace en el que podéis ver una animación que encontré construida a partir de un patrón muy similar al que rige esta portada.      

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En EEUU se eliminó de la portada la imagen del LP de la BSO del musical cinematográfico Gigi (Vincent Minnelli, 1958) por problemas de derechos de autor, saliendo en el resto de tiradas geográficas.

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La grabación en directo del "Ummagumma" (registrada en Birmingham el 27 de Abril de ese mismo año) es uno de los testimonios en directo de los primeros años del grupo mejor recordado por sus seguidores. Y no es para menos, ya que en él se recogen cuatro interpretaciones en donde la música suena muy diferente a las versiones en estudio de los mismos temas, con un mayor minutaje, experimentación  y en muchos momentos una nueva fuerza y pasión impresa en la música, fruto de la magia del directo. El disco se abre con "Astronomy domine", procedente de su debut "The piper at the gates of dawn" (1967), algo más rápida que la original y con pasajes flotantes intermedios más extensos otorgados por el órgano de Wright; "Careful with that axe, Eugene" había salido al mercado el año anterior, en formato de sencillo (recogido en el CD recopilatorio "Relics", de 1971, junto a varios otros sencillos que no aparecen en su discografía oficial) y también apareciendo de forma embrionaria en la BSO de la película The comittee (Peter Sykes, 1968), cuyo score lo realizan Pink Floyd y The Crazy World of Arthur Brown. En esta grabación, CWTAE presenta un formato mucho más denso. Este tema puede representar uno de los clásicos "crescendos" del grupo, en donde un tema se desarrolla a partir de una pequeña semilla o célula musical (con los bajos minimalistas de Waters, en este caso constituido por una octava), comienzan a entrar nuevos timbres, va ganando en matices... hasta que llega a un clímax (aquí claramente ensalzado por el desgarrador grito de Waters, uno de los más salvajes que he escuchado junto al de Dagmar Krause en "Freedom" de The world as it is today de Art Bears, de 1981) y vuelve a caer; "Set the controls for the heart of the sun" y "A saucerful of secrets" pertenecen a su segundo álbum de estudio, titulado A saucerful of secrets (1968), en donde conservan esa tensión hipnótica inherente en la pieza y que constituye un final de casi dimensiones épicas con la interpretación de las voces finales del tema homónimo (una visión más celestial en estudio contra una versión más visceral, con apogeo instrumental incluido, en directo). Al escuchar la versión de "A saucerful of secrets" me vienen a la mente los desarrollos crecientes más espaciales de Tangerine Dream en discos como Atem (1973).

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Por otro lado, la grabación en estudio del "Ummagumma" presenta cuatro percepciones muy diferenciadas que hasta ahora conocíamos en conjunto, pero que ahora tenemos la oportunidad de poder desgranar un poco más y observar su rol musical dentro de la banda (me hubiese gustado acompañar este párrafo de la foto de la contraportada del disco de estudio, con los cuatro bustos de Floyd, casi emulando a los Presidentes del Monte Rushmore, en Keystone, Dakota del Sur, pero no ha podido ser).

RICK WRIGHT (Sísifo o el espíritu épico/densidad): composición en cuatro movimientos para diferentes tipos de teclados. Representa a un héroe mitológico que, debido a su hostil y oscuro comportamiento, es condenado en el infierno a cargar con una pesada roca que, cada vez que está a punto de llegar a la cima echa a rodar hacia abajo, para volver a empezar). En la mayoría de los cultos, el personaje de Sísifo se relaciona con un ciclo de salida-llegada-salida (como el sol que sale, llega a lo más alto y vuelve a ponerse, o la ola que se forma, surca el mar y se rompe), en cierta manera muy similar a la idea de "crescendo" comentada anteriormente. A grandes rasgos, aquí se parte de un material temático (de connotaciones un tanto oscuras y con un remarcado carácter percusivo, como si realmente alguien estuviese cargando una pesada piedra. Casi parece sacada de un "péplum"), ocurre un desarrollo y acaba con la vuelta a ese material (vuelve a caer la piedra). Dentro del segundo movimiento es muy interesante observar el tratamiento percusivo del piano de Wright (primero con referencias casi dentro de un ámbito tonal, con guiños a Bartok o a minimalistas como Steve Reich) que va derivando en un discurso más atonal y ruidista para acabar en un largo tenuto que se acaba muriendo (en el fondo es otro crescendo suave-fuerte-suave). Personalmente, hay muchas imágenes que me trasladan a una idea de infierno o de oscuridad dentro de la pieza, como es la deconstrucción sonora del piano y la voz manipulada de Wright en el movimiento 3 (como un agudo y penetrante chillido), o los acordes sin rumbo armónico fijo de Mellotron, con su lánguida melodía, al principio del movimiento 4 que desembocan en un estrepitoso acorde (casi clúster) de órgano que hace sobresaltarse a cualquiera (en serio, probad a escuchar esto con cascos y a oscuras y veréis...).

ROGER WATERS (espíritu iconoclasta): y es que no es para menos. Con "Grantchester meadows" Waters nos lleva a uno de los parques más importantes de Cambridge, acompañando su voz tan sólo por una guitarra acústica y con una orquesta de diferentes sonidos de la naturaleza que ayudan a caracterizar el ambiente bucólico. Finalmente esa naturaleza se tornará en naturaleza muerta (impresionante la grabación de la muerte de la mosca) para dar paso a uno de los experimentos sonoros más radicales de Pink Floyd: "Several species of small furry animals gathered together in a cave and grooving with a pict", hecho a partir de la manipulación a diferentes velocidades de voces e instrumentos, interpretados por el propio Waters. En la Wikipedia podéis encontrar, si buscáis este título, una sección dedicada a algunos mensajes ocultos de los Pink Floyd y que, al parecer, se pueden escuchar a su velocidad normal. Aquí os dejo el link:

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DAVID GILMOUR (fuerza y contundencia rockera): la composición en tres partes "The Narrow way" suponía la conexión más cercana (junto con "Grantchester meadows") al tipo de música que habían hecho PF hasta ahora y que acabarían desarrollando en su época de gloria en los 70's (baste tan sólo escuchar el final de la composición y su presagio a piezas del "Meddle" o "Dark side of the moon", con el ritmo medio lento tan marcado, los coros en el estribillo, la característica voz de Gilmour y la parte final guitarrística sobre la base estrófica). Gilmour apuesta por un formato más melódico (más acústico en el caso del primer movimiento y claramente eléctrico -y casi King Crimsoniaco- en el segundo), aunque introduce algunos elementos psicodélicos que ayudan a hacer su escucha más experimental, superponiendo diferentes efectos guitarrísticos entre sí.

NICK MASON (el Gran Visir o las secuencias percusivas). La propuesta de Nick fue de las más experimentales del álbum. Musicalmente se abre y se cierra con un pasaje armonizado para varias flautas (vuelve la idea A-B-A, como en Sísifo), pasajes de austeridad tímbrica (aunque de riqueza armónica) que contrastan fuertemente con el desarrollo intermedio, en donde Mason juega con el color tímbrico de la percusión creando diferentes estructuras secuenciales en las que diversos toques de numerosos instrumentos percusivos van creando un ritmo sobre el que otro se erige con mayor personalidad y protagonismo melódico. Uno de los momentos más recordados es el de la creación de secuencias percusivas a través del silencio, o los espacios en blanco que se introducen "recortando" los sonidos originales emitidos por los instrumentos (influencia del compositor John Cage).

En resumen, creo que Ummagumma, a pesar de resultar un álbum de difícil escucha se necesita valorarlo dentro de su contexto para una mayor comprensión. También creo que es uno de los primeros momentos de Pink Floyd en el que se plasma con cierta coherencia una cierta ambición en estudio y un pequeño concepto, factores ambos que se verían muy desarrollados en su época dorada de los años 70's. Para mí, y esta es una opinión muy personal, es una grabación clave de transición hacia los años 70's y lo que será la evolución y diversificación de las propuestas del género (además de un paso clave para la evolución musical del grupo).

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¡Saludos!      Divertido



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Senogul, grupo progresivo asturiano, en la red: La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas Entrar y La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas Entrar
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Lajarín
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Re: Discografía Oficial: Pink Floyd
Respuesta #6 - 25.09.06 a las 11:07:09
 
PINK FLOYD - ATOM HEART MOTHER (1970)


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FORMACION:

Roger Waters - Bass, Guitar, Vocals, Tape
John Blake - Design
Ron Geesin - Director
Nick Mason - Drums
Richard Wright - Organ, Keyboards, Vocals, Mellotron
Peter Bown - Engineer
Pink Floyd - Producer
David Gilmour - Bass, Guitar, Vocals
James Guthrie - Remastering
John Aldiss Choir - Vocals, Group
Doug Sax - Mastering
Norman Smith - Producer, Executive Producer
Alan Parsons - Engineer
Hipgnosis - Design, Photography, Cover Design

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Atom Heart Mother:
Father's Shout/Breast Milky/Mother Fore/Funky Dung/Mind Your Throats Please/Remergence
(David Gilmour/Nick Mason/Roger Waters/Richard Wright/Ron Geesin) (23:44)
If (Roger Waters) (4:31)
Summer '68 (Richard Wright) (5:28)
Fat Old Sun (David Gilmour) (5:22)
Alan's Psychedelic Breakfast: Rise and Shine/Sunny Side Up/Morning Glory" (David Gilmour/Nick Mason/Roger Waters/Richard Wright) (13:01)


EL TRABAJO

- ATOM HEART MOTHER

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1970: Se produce el lanzamiento de "Atom Heart Mother".
Este LP tuvo una edicion CUADRAFONICA


Atom Heart Mother constituyó un experimento atrevido, que escribió en parte el compositor de vanguardia, Ron Geesin (creo que sustituyendo en parte la creatividad de Barret); era un trabajo que sin embargo pareció no satisfacer mucho al grupo. Era la primera de una impresionante serie de fundas de disco, diseñadas por el estudio Hipgnosis, ninguna de las cuales mostraba fotografías del grupo.

El "Atom Heart Mother Suite" duraba todo un lado de un LP de vinilo y estaba dividida en seis partes diferentes, la mayoría de las divisiones estaban marcadas por un retorno a la pieza principal tocada por todos (grupo y orquesta).


Este disco da una sensación siniestra. En este disco realmente Barret ya no existe, los Pink Floyd se refugian en varias funciones o teclas que van accionando con sorprendente inteligencia.
Evidentemente ninguno de ellos era el "brujo Barret", y la falta de ideas sobre las cuáles desarrollar mundos sonoros era evidente. En este disco decidieron no seguir por la senda de la exploración irracional, y digamos inventar un nuevo sonido que ya no les dejaría jamás. Para no arriesgar, contaron con muchas ayudas, empezando por el increíble sonido que inventó para ellos Alan Parsons como ingeniero, y también recibieron ayudas en las composiciones y arreglos, todavía Gilmour se mostraba tímido con la guitarra, aunque ya empezaba a detectarse su potencial, que en un periodo no muy lejano haría que Pink Floyd cada vez se desmarcase más del sonido Wright y entrase más en un sonido Gilmour, en el cuál la guitarra con rifs eternos y de grandísima calidad era el centro de las composiciones. Tampoco Waters era el potente y técnico bajista que después condujo a Floyd en el magnífico Dark Side of the moon, sino que en este disco más bien estaba en un segundo plano que hace que la suite que titula el disco cojee un poco, ya que su trabajo está muy eclipsado por los instrumentos de viento, eso sí, estos mismos instrumentos hacen que el sonido en determinados momentos sea espectacular, pero yo echo de menos el buen hacer de Waters en discos posteriores. La psicodélica la ponía únicamente Wright, y este tema y Echoes del Meddle fueron sus últimas incursiones en la Psicodélica, pero ya de una forma muy "suave", sin la tensión de los discos precedentes, sin Barret ya no sabían muy bien a donde querían llegar por ese camino,  y quizás ya no tenía mucho sentido continuar. Aquí tenemos una de las primeras suites del rock progresivo que tiene principio, centro y desenlace. Punto y aparte para el trabajo inconmensurable de Alan Parsons, el final es absolutamente glorioso, de esos que con casco pone los pelos de punta, ya que los instrumentos "clásicos" hacen que el tema sea realmente una suite "clásica", en toda su extensión. Este tema es uno de las primeras piedras importantes del Progresivo. También mención especial a los coros, magníficos. Me gustaría mencionar las continuas armonías de Wright con el Hammond...me encantan.

IF es un tema sin grandes pretensiones, acústico y desembarazándose de la orquestación...se deja escuchar pero no dice nada nuevo. Buen trabajo de Gilmour y Wright. Inconfundible el sonido de Waters, este es un tema que ya suena a él.

Summer '68, es un capricho de Wright...en la misma línea del anterior, bonito piano, y por fin aparece Waters participando más en la música. También observamos de nuevo sonidos de instrumentos de viento, un tema con connotaciones muy veraniegas...es curioso pero no tiene el nivel del magnífico primer tema y suena raro después de If.

Fat Old Sun es la tarjeta de futuro de Gilmour, ya se adivina el trazo de lo que iba a pintar cuando compusiese en solitario....bonito tema, con un buen solo final...pero no del nivel del primer y último tema. todavía se le ve algo dubitativo en la composición...tímido, quizás con complejo de ser el sucesor de alguien tan emblemático como Barret...me imagino que cada uno tendréis vuestra propia opinión, así que lo dejo a vuestro criterio.

Alan's Psychedelic Breakfast, es un tema que marca lo que Pink Floyd iba a hacer en el futuro. Waters y compañía empezaron a incluir sonidos reales a sus composiciones musicales, y si a estos sonidos sumamos la maestría de Alan Parsons para hacer las mezclas y que todo parezca que tenga un ritmo...pues tenemos a Pink Floyd. Alucinante el piano y la guitarra de Gilmour, en el prólogo, mucho más complicado de lo que parece a simple vista. Wright  hace de las suyas con diferentes teclados, yo creo que tanto Gilmour como Wright grabaron varias pistas en este tema, porque los sonidos son muy variados...en fin, muy en la línea de lo que después realizaron.
El final del tema es magnífico, todos sublimes y es un broche de oro para un más que notable disco.

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En Septiembre de 1970 Pink Floyd comienza el Atom Heart Mother Tour. Hasta Febrero del otro año, los conciertos son acompañados por el coro Roger Wagner, junto con diez piezas de sesiones de vientos. Más tarde cuando deciden extender su Tour a California se encuentran un impresionante recibimiento. Gilmour dijo acerca de Atom Heart Mother, que el éxito de este trabajo les cambió totalmente sus vidas.

Un dato curioso aunque no confirmado, es que en esta pieza se puede escuchar un instrumento llamado Ritmicon, inventado por Henry Cowell y León Theremin allá por los años 30, que precisamente fue la primera maquina electrónica de ritmos (generador poli rítmico) en la que se incluian teclados y discos rotativos.

Otro dato curioso es que la voz que se escucha hablando de mermelada, huevos, jamón, cornflakes y todo lo demás, es la de Alan Stiles, roadie o encargado de equipo del grupo por aquellos años.

Opinión de Lajarín:

Imprescindible en cualquier buena discografia. Disco pionero del progresivo.


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LETRAS:

PINK FLOYD - ATOM HEART MOTHER (1971)


David Gilmour - Guitarra, voces
Roger Waters - Bajo, guitarra, voces
Rick Wright - Teclados, voces
Nick Mason - Batería


Lista de Temas:
Atom Heart Mother Suite (instrumental)
a. Father's Shout
b. Breast Milky
c. Mother Fore
d. Funky Dung
e. Mind Your Throats, Please
f. Remergence
If
Summer '68
Fat Old Sun
Alan's Psychedelic Breakfast (instrumental)


  If

If I were a swan, I'd be gone.
If I were a train, I'd be late.
And if I were a good man,
I'd talk with you
more often than I do.

If I were to sleep, I could dream.
If I were afraid, I could hide.
If I go insane, please don't put
your wires in my brain.

If I were the moon, I'd be cool.
If I were a book, I would bend for you.
If I were a good man, I'd understand
the spaces between friends.

If I were alone, I would cry.
And if I were with you, I'd be home and dry.
And if I go insane,
and they lock me away,
will you still let me join in the game?

If I were a swan, I'd be gone.
If I were a train, I'd be late again.
If I were a good man,
I'd talk with you
more often than I do.
 
Summer '68

Would you like to say something before you leave
perhaps you'd care to state exactly how you feel
we said good-bye before we said hello
I hardly even like you, I shouldn't care at all
we met just six hours ago, the music was too loud.
From your bed I gained a day and lost a bloody year
and I would like to know
how do you feel, how do you feel, how do you feel?

Not a single word was said, delights still without fears
occasionally you showed a smile but what was the need
I felt the cold far too soon - the wind of '95.
My friends are lying in the sun, I wish that I was there
tomorrow brings another town and another girl like you
have you time before you leave to greet another man
just you let me know
how do you feel, how do you feel, how do you feel?

Good-bye to you
Charlotte Kringles too
I've had enough for one day.
 
Fat Old Sun
When the fat old sun in the sky is falling
summer evenin' birds are calling
summer's thunder time of year
the sound of music in my ears
distant bells, new mown grass
smells so sweet
by the river holding hands
roll me up and lay me down
and if you sit don't make a sound
pick your feet up off the ground
and if you hear as the warm night falls
the silver sound from a time so strange
sing to me, sing to me
when that fat old sun in the sky is falling
summer evenin' birds are calling
children's laughter in my ears
the last sunlight disappears
and if you sit don't make a sound
pick your feet up off the ground
and if you hear as the warm night falls
the silver sound from a time so strange
sing to me, sing to me
when that fat old sun in the sky is falling

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PINK FLOYD - MADRE CON CORAZÓN ATÓMICO (1971)

David Gilmour - Guitarra, voces
Roger Waters - Bajo, guitarra, voces
Rick Wright - Teclados, voces
Nick Mason - Batería



Lista de Temas:
Suite de Madre con Corazón Atómico (instrumental)
a. El Grito del Padre
b. Seno Lechero
c. El Vigor de una Madre
d. Estiércol a lo Funky
e. Por Favor Cuida tus Gargantas
f. Remergencia
Si
Verano del '68
Gordo Sol Viejo
El desayuno sicodélico de Alan (instrumental)

 
 
Traducido por:   Fernando Higa


  Si


Si fuera un cisne, ya me habría ido.
Si fuera un tren, llegaría tarde.
Y si fuera un buen hombre,
te hablaría
más a menudo de lo que lo hago.

Si me fuera a dormir, podría soñar.
Si tuviese miedo, me podría esconder.
Si me volviera loco, por favor no me pongas
tus cables en mi cerebro.

Si fuera la luna, sería indiferente.
Si fuera un libro, podría doblarme para ti.
Si fuera un buen hombre, entendería
los distanciamientos entre los amigos.

Si estuviera solo, lloraría.
Y si estuviera contigo, estaría seco en casa.
Y si me volviera loco,
y me encerraran,
¿aún me dejarías unirme al juego?

Si fuera un cisne, ya me habría ido.
Si fuera un tren, llegaría tarde.
Y si fuera un buen hombre,
te hablaría
más a menudo de lo que lo hago.

  Verano del '68
 
Querrías decir algo antes que te vayas
quizás podrías decir exactamente lo que sientes
nos despedimos antes de saludarnos
casi ni me gustas, no debería importara un poco
nos conocimos hace seis horas, la música era tan fuerte.
Desde tu cama gané un día pero perdí un maldito año
y quisiera saber
¿cómo te sientes?, ¿cómo te sientes?, ¿cómo te sientes?

No nos dijimos ni una sola palabra, aún nos deleitamos sin miedos
ocasionalmente me mostrabas una sonrisa, que era todo lo que necesitaba
sentí el lejano frío demasiado pronto - el viento del '95.
Mis amigos se recuestan bajo el sol, desearía estar allí
El mañana nos lleva a otra ciudad y a otra chica como tú.
¿Tuviste tiempo antes de saludar a otro hombre?
Sólo dímelo
¿cómo te sientes?, ¿cómo te sientes?, ¿cómo te sientes?

Adiós a ti
a Charlotte Kringles también
he tenido demasiado por un día.
 
Gordo Sol Viejo

Cuando el gordo viejo sol en el cielo cae
los pájaros nocturnos del verano están llamando
el verano es la época del año para los truenos
el sonido de la música en mis años
campanas distantes, pasto recién cortado
huele tan dulce
cerca al río, sosteniendo las manos
enróllame y recuéstame
y si te sientas no hagas ningún ruido
eleva tus pies sobre la tierra
y si escuchas cómo cae la cálida noche
el sonido plateado de una época tan extraña
cántame, cántame.

Cuando el gordo viejo sol en el cielo cae
los pájaros nocturnos del verano están llamando
la risa de los niños en mis oídos
desaparece el último rayo de sol
y si te sientas no hagas ningún ruido
eleva tus pies sobre la tierra
y si escuchas cómo cae la cálida noche
el sonido plateado de una época tan extraña
cántame, cántame.
Cuando el gordo viejo sol en el cielo cae

Gracias a
Fernando Higa
:La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas Entrarpor la traducción.
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Davol
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Otra vez andamos por aquí

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Género: male
Pink Floyd: OBSCURED BY CLOUDS
Respuesta #7 - 30.09.06 a las 01:14:22
 


PINK FLOYD - OBSCURED BY CLOUDS (1972)


El álbum Obscured by Clouds de Pink Floyd, grabado en dos semanas durante el mes de marzo de 1971 en el castillo de Herouville en Francia, pero publicado en 1972, es la banda sonora para la película francesa La Vallée (El Valle) de Barbet Shroeder. Aprovechando el éxito cosechado en 1968 con la banda sonora de More, quieren tomarse una pequeña revancha frente a la desastrosa experiencia que habían tenido con Antonioni durante la grabación de la banda sonora de Zabriskie Point.

El argumento del film gira en torno a Viviane, esposa de un diplomático, quien está buscando las plumas de un ave exótica para su boutique en París. Se une a un grupo de aventureros que viajan a la jungla de Nueva Guinea en busca de un valle escondido y que no aparece en ningún mapa. En este viaje, viven una serie de experiencias inusuales hasta encontrar el valle al final de la película.

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Este álbum se trata sin ninguna duda de una parte importante de esa transición definitiva entre los primeros años y la búsqueda de un nuevo sonido propio (1966-1971) que dará paso a las grandes obras creadas a partir de 1973 y que constituye la parte fundamental de su legado al género progresivo. Posiblemente sea uno de los álbumes más infravalorados y hasta desconocido de los Floyd, pero estamos ante el abreboca y la evolución de lo que serían los álbumes Meddle en 1971 y lo que posteriormente en 1973 sería el fenómeno del Dark Side of the Moon.

En él, la banda se dedica a dar rienda suelta a sus inquietudes, e intentan perfilar y cimentar lo que se desarrollaría en los siguientes años. Aunque al escucharlo es evidente que el grupo aún no había alcanzado el nivel compositivo mostrado en Meddle y en los años siguientes, son notables las atmósferas creadas, las cuales son sublimes en sus instrumentaciones.

Aunque grabado en 1971 incluso antes que el Meddle, el álbum no verá la luz hasta el 3 de junio de 1972, aduciéndose como causa del retraso a la demora en el estreno de la película, lo cual hubiera hecho que el álbum coincidiera con el lanzamiento del Meddle, que es un álbum de mayor calidad que el Obscured by Clouds, y la preferencia hacia un disco de estudio frente a un “trabajo solicitado” para la banda sonora de una película. Tal vez por esa sencillez que no tiene por qué desmerecer este trabajo discográfico, esta reseña se haga corta.

Tomando como punto de partida el año de su publicación: 1972, este álbum posee la curiosidad de ser el último disco sin concepto grabado por la banda, por tener gran libertad musical al momento de su realización (las ya conocidas “Jam Sessions”), el último que poseería una canción con la lírica compuesta íntegramente por David Gilmour hasta 1987 con A Momentary Lapse of Reason y el primero en el que usarían, de forma tímida, el sintetizador VSC3. Con este equipo, los Floyd destacarían por lo logrado en el tema “On the Run” del Dark Side of the Moon, siendo pioneros sin planteárselo en la música electrónica y futurista.

Créditos:

David Gilmour: Guitarras y voces
Nick Mason: Batería y Percusión
Roger Waters: Bajo y voces
Richard Wright: Teclados y voces

Temas:

1. Obscured by Clouds (Instrumental) (3:05)
2. When You're In (Instrumental) (2:31)
3. Burning Bridges (3:30)
4. The Gold It's in the... (3:08)
5. Wot's... Uh the Deal (5:09)
6. Mudmen (Instrumental) (4:18)
7. Childhood's End (4:33)
8. Free Four (4:16)
9. Stay (4:07)
10. Absolutely Curtains (Instrumental) (5:51)

El álbum da inicio con el tema instrumental homónimo al título, creando una atmósfera relajada y envolvente que se continúa con uno de los temas más “rockeros” de los Floyd (junto al tema “The Nile Song” en More), la instrumental "When You're In" basada en un riff que, aunque repetitivo, se me hace corto en duración.

Encontraremos una buena balada en “Burning Bridges” donde las voces de Wright y Waters se funden y conjugan con la guitarra de Gilmour, dando unas pistas de lo que será la grabación del Meddle. Tema relajante en el que cabe destacar que es de los tres únicos coescritos entre Wright y Waters en toda su carrera musical. Los otros dos son “Stay” de este mismo álbum y “Us and Them” del Dark Side of the Moon.

“The Gold it’s in the...” posee un comienzo muy bueno que engancha, también por el gran trabajo conjunto entre Waters y Gilmour. Buena base de bajo, batería y teclados consistentes y al final un trabajo fino en la guitarra. Muy buen tema.

En “Wot´s... Uh the Deal” de Waters, escuchamos a David cantando al compás del mismo punteo de guitarra al que posteriormente se unen el bajo, la batería y un muy buen solo de piano.

El contrapunteo entre Wright al teclado y Gilmour en la guitarra en la instrumental “Mudmen” no tiene ningún desperdicio, la cual es junto a “Cluster One” (The Division Bell), el único tema en el que Gilmour y Wright se llevan los honores compositivos.

La fantástica “Childhood’s end”, escrita y cantada por Gilmour y cuyo título es extraído del libro homónimo de ciencia ficción de Arthur C. Clarke. La guitarra marca la diferencia y la música es excelente, como en casi todos los temas en los cuales Gilmour se ve involucrado. La batería nos recuerda por momentos a “Time” del Dark Side of the Moon.  

El tema “Free Four” de Waters, es en el que aparece la primera referencia al fallecimiento de su padre en la Segunda Guerra Mundial. Con un ritmo un tanto desenfadado, introduce por primera vez la frase “on the run” que, en el léxico personal de Waters viene a referirse a “paranoia”. También encontraremos diferencias entre el tema que aparece en el film y el del álbum, y pequeñas referencias a “Money”

So take my advice
And cut yourself a slice
And try not to make it too big
Cos things are hard to grow
And I can tell you cos I know
It's better not to make yourself sick

La llena de sentimiento jazzístico “Stay” a cargo de Wright en la composición y voces, y que nos habla de las relaciones pasajeras, hasta el punto que el intérprete no recuerda el nombre de quien le inspiró a escribir el tema. Muy buen tema.

Por último escuchamos “Absolutely Curtains”, pieza muy ambiental con el toque enigmático que da un canto religioso a cargo de los nativos de Nueva Guinea que aparecen en el filme y que da cierre a este álbum. Tal vez sea, junto a “Seamus” de Meddle uno de los más flojos de toda la carrera musical de Pink Floyd.

Carátula:

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La carátula del álbum estuvo a cargo de Hipgnosis y se trata de un pasaje de la película desenfocado, en el que aparece un hombre subido en un árbol tratando de agarrar algo con el brazo extendido. La gran cantidad de puntos luminosos alrededor de esta figura hace referencia al espectáculo de luces y efectos de Pink Floyd y que siempre ha fascinado a Storm Thorgerson y al equipo de Hipgnosis. La reedición de 1996 posee en su interior fotos de la película y de paisajes de Nueva Guinea, tomadas con infrarrojos para realzar su espectacularidad.

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Conclusión:

Se trata de un álbum de transición entre los primeros trabajos y los posteriores, más sinfónicos, más espaciales. Disco donde se experimenta con el sonido y la improvisación. En mi opinión personal, buen disco. Bastante digerible y de fácil escucha la primera vez que lo reproducimos. Siento que es un álbum obligado para los que gustan de Pink Floyd pero no indispensable en cualquier colección de progresivo.

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Reseña realizada por Enrique



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Snowgoose
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La música cambia todo
cuanto nos rodea

Mensajes: 644
Género: female
Re: Discografía Oficial: Pink Floyd
Respuesta #8 - 01.10.06 a las 00:07:21
 
THE DARK SIDE OF THE MOON (1973)


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David Gilmour: Vocal, guitarras.
Nick Mason: Percusión, efectos.
Richard Wright: Teclados, vocales.
Roger Waters: Bajo, vocales, efectos



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Introducción:

     
¿Por qué es tan complicado hacer un comentario sobre un disco de Pink Floyd?. Quizá porque no son discos cualquiera, porque cada uno de ellos se desarrolla en base a una serie de variables que determinan en mucho su contenido y significado. Buen ejemplo de ello es el trabajo que escogí para reseñar, uno de los mejores y más emblemáticos del grupo, y por tanto, complejo y especial.
    “The dark side of the moon”, el disco del prisma y las pirámides, un trabajo realizado en plena época dorada del progresivo y de la música en general, lleno de simbolismos, psicodélico donde los haya. Producido por el genial Alan Parsons, grabado en los estudios de Abbey Road, con una temática importante y una historia detrás.
     Es un álbum de concepto que gira en torno a la locura, a la desintegración del hombre dominado por un mundo en continua expansión que le absorbe y le anula. Waters, que es el autor de todas las letras, se inspira en Syd Barret y su decadencia para generar canciones que son verdaderas lecciones filosóficas, reflexiones ante la vida.


Curiosidades:

  • Está en el libro Guiness de los records por aparecer en la lista de los 200 discos más vendidos durante 591 semanas, superando a cualquier otro grupo. Se han vendido más de 35 millones de copias en todo el mundo.

  • Se dice que Roger Waters pasó horas en el estudio intentando que el disco coincidiese con las secuencias del film “El mago de Oz”. He leído que si lo escuchas desde el tercer rugido del león de la Metro, coinciden. No lo he probado, francamente, será cuestión de hacer un hueco.

  • En un principio el disco iba a llamarse “Eclipse (A Piece For Assorted Lunatics)”, nombre que quedó al final para el tema que cierra el álbum. Por aquel entonces, otro grupo musical había sacado un disco con el nombre  “Dark side of the moon”, pero por el escaso eco obtenido no hubo problemas con el nombre duplicado.

  • A lo largo del álbum se escuchan preguntas y respuestas. Algunas se hicieron en los mismos estudios de Abbey Road a gente tan conocida como el propio Paul McCartney.

  • El disco se grabó en siete semanas, mientras preparaban una gira.


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Vamos con la escucha... una vez más, de muchísimas, el CD comienza a girar en el reproductor y retengo la respiración expectante. Sé lo que voy a escuchar, pero también que siempre recibo estímulos diferentes...


Speak to me/ Breathe (3:57): Un corazón que late, el tiempo que se escurre entre las manos, la caja registradora simbolizando el nuevo dios de la modernidad, las preguntas, las respuestas, risas, locura, gritos, confusión. Todo ello da paso a la guitarra hermosísima de Gilmour, lenta y cadenciosa, introduciéndonos en ese Breathe que nos explica cómo puede ser un futuro en el que, puestas todas las expectativas, acabemos prematuramente si nos unimos a la corriente (“... but only if you ride a tide... you race towards an early grave”).

On the run (3:35): Rapidez, psicodelia y experimentación en el sonido, más palabras de fondo, pasos que corren no se sabe a dónde, desesperación y más locura. ¿Dónde nos lleva la vida, dónde la corriente? Es un tema que angustia, que hace pensar, que mezcla sonidos y efectos para darte la impresión de estar cayendo infinitamente en un pozo sin fondo, con una monotonía vertiginosa. Risas de fondo, explosión final y sigue la carrera... ¿hacia dónde vamos? Sólo sabemos que huimos.

Time (7:04): Huimos quizá del tiempo... simbolizado por el despertador, por las campanas. Es la hora, y el corazón late más deprisa. Comienza el tema de manera instrumental para dar paso a la parte vocal, preciosa con los coros. Siempre he pensado que las chicas de los Floyd les daban ese toque especial de elegancia, además de la intensidad que imprimían a las partes vocales. La guitarra, fantástica y emocionante. La letra habla del paso del tiempo, de cómo poco a poco estamos más cerca de la muerte a pesar de nuestros intentos por correr en su contra (“...shorter of breath and one day closer to the death...”).

The great gig in the sky (4:47): Uno de mis temas preferidos; instrumental, lentísimo, bellísimo, mueve por dentro todos los resortes de la sensibilidad. Los teclados y la voz de Claire Torry, desgarrada, intensísima, hacen una mezcla de profundidad enorme. Es imposible permanecer sin los sentidos a flor de piel escuchando esa voz que expresa tantísimo en todo su registro. Tristeza, dolor, calma, pasión... no necesita letra, sólo notas. Al final del tema, es la primera vez que el disco se interrumpe y da un cambio brusco.

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Money (6:22): El tema más comercial y conocido del disco. Comienza con la caja registradora y el bajo de Waters. ¿Quién, aficionado a la música y con una guitarra en las manos, no ha intentado sacar los acordes rítmicos de este tema?. Sin embargo, lo mejor es la letra, como siempre: una crítica al dios dinero, al vivir para consumir. El saxo de Dick Parry está excelente. La parte instrumental central del tema es trepidante y llena de fuerza. Acaba con más palabras y se enlentece para dar paso al siguiente tema.

Us and them (7:50): Otro de mis indispensables. Balada larga, lenta, dulce... siempre he pensado que es la canción ideal para hacer el amor. El saxo inicial le da esa sensualidad extraordinaria que mantiene toda la canción. Sin  embargo, no es un tema romántico. Es un tema que habla de luchas, de palabras, de derrotas... de ideologías que se diluyen en la generalidad de la masa. Y sin embargo, no podemos conformarnos con ser seres corrientes (“...us and them and after all we're only ordinary men...”).

Any colour you like (3:25): Continuación instrumental y psicodélica. Los teclados se suceden en canon, dando la impresión  de que el sonido gira. El resto del tema es más lineal, aunque es toda una exhibición de teclados.

Brain Damage (3:50): Una buena pieza que trata de la locura, de aquello que hay a veces en la cabeza y que no es uno (...”there’s someone in my head but is not me...”). Se oyen risas, se percibe un ambiente de conformismo con la situación y en la letra aparece por primera vez el concepto de “dark side of the moon”. Tiene un final con cierto toque de humor: “ te veré en el lado oscuro de la luna”.

Eclipse (2:01): El final del disco es también el final de la canción anterior. Una prolongación monótona musicalmente, pero brillante como reflexión, con los coros femeninos siempre estupendos. Lo  mejor: la idea de que, hagamos lo que hagamos bajo el sol, siempre puede ser eclipsado por la pequeña luna.



      Acaba la escucha, me quedo pensando, meditando... qué hacemos, dónde nos lleva el tiempo, qué es capaz de hacer la música en nuestras vidas, la locura del hombre... lo cierto es que siento que el espíritu de los Pink Floyd sigue vivo cada vez que miro la luna.

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"Lo distante no pido ver; un paso me basta."
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Why? Máquina!

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Discografía Oficial: Wish You Were Here
Respuesta #9 - 02.10.06 a las 23:54:56
 
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Miembros:


- David Gilmour: guitarra, voces
- Nick Mason: percusión
- Rick Wright: teclados, órgano, voces
- Roger Waters: bajo, voces
También participan:


- Dick Parry: saxo en Shine On You Crazy Diamond
- Roy Harper: voz en Have a Cigar
- Venetta Fields: coros
- Carlena Williams: coros
- Stephane Grapelly: violín country en Wish You Were Here

Temas:


1. Shine On You Crazy Diamond (Parts I – V) (13:30)
2. Welcome to The Machine (7:26)
3. Have a Cigar (5:07)
4. Wish You Were Here (5:40)
5. Shine On You Crazy Diamond (Parts VI – IX) (12:22)


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La idea original del álbum era un tema de larga duración que ocupara toda una cara del vinilo, y en la otra cara dos o tres temas de duración inferior que guardaran una relación conceptual con el tema principal. Este hablaría sobre la frustración del éxito y también trataría uno de los tópicos más usados por Pink Floyd en toda su carrera: la locura, tema que conocían muy bien a causa de los problemas de Syd Barrett. Este tema principal no es otro que Shine On You Crazy Diamond. En la otra cara se pensaba incluir dos temas llamados You gotta be crazy i Raving and Drooling. Pero ocurrió algo inesperado.
En junio de 1975, un hombre entró en los estudios de Abbey Road. Saludó a Waters y preguntó si podía grabar algo para el álbum. Era Syd Barrett.
La inesperada presencia de Syd hizo que Roger Waters se replanteara todo el proceso de grabación. El grupo acordó partir Shine On You Crazy Diamond, dividirla en dos partes, y colocar entre medio tres temas. Los dos primeros hablarían de la hipocresía de la industria discográfica (Welcome to The Machine i Have a Cigar), mientras que el tercero fue un tema escrito y dedicado única y exclusivamente a la memoria de Syd Barrett y a las trayectorias de los miembros del grupo: Wish You Were Here, que toma el nombre del álbum.
Wish You Were Here se pone a la venta en el Reino Unido el 15 de septiembre de 1975. La edición cuadrafónica llega dos meses después.
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Shine On You Crazy Diamond Parts I – V

El primer corte de la suite comienza con una marcha fúnebre escrita por Wright, en que interviene el órgano como único instrumento. De fondo podemos oír el sonido de cuerno de los synths y las percusiones extraídas del “experimento” del grupo consistente en grabar sonidos indeterminados. Finalmente el órgano de Wright obtiene respuesta por parte de la guitarra de Gilmour (parte II), que continua desenvolviendo un tema en sol menor que acaba con un fade-out respaldado por el órgano. En este momento, la guitarra interpreta el “tema de Syd”, cuatro notas evocadoras surgidas del genio de Gilmour, y se inicia la parte III, ya con la batería y el bajo. El tema avanza siempre sobre las variaciones del “tema de Syd”, y tras dos fades, comienza la parte IV, vocal. Entre las dos estrofas hay un espléndido sólo de guitarra. Tras la segunda, el saxo entra en acción (parte V), hasta que todos los instrumentos se confunden bajo el sonido de máquinas, lo que enlaza con el siguiente tema.
Este primer corte contrasta con los tres siguientes. Es uno de los temas más famosos de Pink Floyd, y catalogado como el mejor de la banda por la revista Q, seguido por Time y Comfortably Numb.



Welcome to The Machine

El título original del corte era The Machine Song, y naturalmente se refiere a cómo la industria discográfica exprime a los artistas. Suponemos que bajamos muy, muy abajo, y encontramos las máquinas que mueven la sociedad, que nos trata como a un “hijo”. Tras cuatro acordes de guitarra, la voz de Waters distorsionada inicia un tema lacónico en qué interviene siempre el sonido de la maquinária. Tras la primera estrofa, la guitarra, los teclados y el bajo cobran algo de protagonismo junto a lo sintetizado. Más tarde se inicia la segunda estrofa, con la misma armonía y métrica que la primera. Y tras finalizar esta, volvemos a la superficie. Cesan las máquinas, se abren las puertas, nos encontramos en un lugar muy concurrido, ¿una fiesta tal vez? Sí, una fiesta para celebrar nuestro triunfo. Ese triunfo que, una vez más, nos ha hundido.


Have a Cigar

Tema que muestra una agresividad próxima, comienza con el bajo y la guitarra, y realmente parece que se nos acerca un tipo chulo y creído. “Ven acá, chaval, toma un cigarro…”. Hemos tropezado con el monstruo discográfico. La voz es puesta magníficamente por Roy Harper (según parece, Dave Gilmour no quiso cantar por desacuerdos con la letra). Harper interpreta magistralmente las dos estrofas, realmente creo que se mete en el papel. Armónicamente, tal vez sea un tema más flojo que los otros cuatro, pero también es cierto que pretende expresar precisamente eso, la venta y reventa de la música manufacturada más barata por parte de las discográficas con tal de conseguir los beneficios económicos más grandes posibles. Cabe señalar también el verso Oh, by the way, which one’s Pink?, pregunta que muchas veces se le formuló a la banda desde los medios de comunicación, creyendo que Pink Floyd era una persona real.
Tras finalizar la letra, la guitarra nos desenvuelve el tema de forma suave, pero hasta la saciedad, y finalmente, llega el aislacionismo. La música suena de fondo, como por una radio, y precisamente así es como empieza el motivo principal del tema siguiente.


Wish You Were Here

Por la radio oímos un tema punteado en una guitarra. Un motivo sencillo, sencillo y melancólico, y pensamos en nuestra caída, en la caída de Syd. ¿Quiénes son los verdaderos locos? Este cuarto tema del álbum se refiere a la autocomplacencia, la pasividad, la alienación y la ausencia, relacionando la situación de Syd con la del propio grupo.
Al tema radiofónico se añade un solo acústico. La melancolía va en aumento. Y entonces comienza la suave voz de Gilmour hablando del sueño y la realidad. En el interludio, se desarrolla el motivo principal, y finalmente Waters y Gilmour unen sus voces en un cóctel de folk y progresivo que provoca las lágrimas de algunos, la sonrisa de otros, la tristeza de otros tantos, el recuerdo para la mayoría. Por último, el motivo inicial se desvanece en el aire.
Este tema posee una armonía muy sencilla, una instrumentación básica, y una letra conmovedora. Solo el genio de Waters, Gilmour, Wright y Mason, unidos bajo el acrónimo de Pink Floyd, puede hacer de esta obra corta, sencilla y concisa una verdadera obra de arte, un instrumento puramente al servicio de los sentidos.
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Shine On You Crazy Diamond Parts VI – IX

A pesar del hipnótico comienzo, sostenido por el bajo, el tema se vuelve cada vez más agresivo gracias a la guitarra amplificada al máximo, y las esporádicas apariciones de los teclados. La batería contribuye a crear el clima de tensión.
Waters, Gilmour y Wright unen sus voces en la parte VII. El virtuosismo en la batería, y en los solos de la guitarra al final de cada frase, conducen este corte hasta su final, cuándo  todo queda plácidamente sostenido (parte VIII) a la espera de una solución de continuidad.
En los conciertos de Pink Floyd, las partes VI y IX no suelen interpretarse, pues se realiza una versión del tema abreviada y toda de una. A pesar de esto, los considero unos de los fragmentos más bellos del género progresivo.
La guitarra puntea un arpegio secundada por el órgano y tras de variaciones todo se resuelve en una amalgama de sonidos sintetizados e insistencia de la guitarra. La parte VIII culmina con un fade-out generalizado, en que tan solo se sostiene el órgano. Es el principio del fin, la parte IX, de nuevo una marcha fúnebre de Wright, que se prolonga y cada vez pesa más. Parece que se están acabando las esperanzas de un final feliz. Pero al fin acaba la agonía, y echamos a volar.
Soplamos, montamos y navegamos en la brisa de acero. Ahora, después y siempre.




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Las dos fotografías muestran el Lago Mono (Mono Lake), California, uno de los lugares que aparecen en el álbum



Anexo:


Para complementar la comprensión de Shine On You Crazy Diamond he considerado oportuno añadir este anexo mostrando la diferenciación entre sus nueve partes.

Parte I: preludio orquestal (marcha fúnebre) de teclados y sintetizadores. Posteriormente, respuesta de la guitarra de Gilmour en tono de blues.

Parte II: “tema de Syd” (riff de cuatro notas de la guitarra). Variaciones y repeticiones de este fragmento.

Parte III: órgano de Wright creando una atmósfera triste, y sonido de la guitarra precediendo la parte vocal.

Parte IV: voz de Waters sobre el acompañamiento de los coros y los otros miembros de la banda.

Parte V: saxo de Dick Parry desarrollando el final del primer corte.

Parte VI: sonido inicial de viento, frase dominada por los sintetizadores y entrada de la guitarra slide.

Parte VII: segunda sección vocal, protagonizada por Waters, Gilmour y Wright.

Parte VIII: protagonismo de los teclados en clave de jazz acompañados por el resto de instrumentos.

Parte IX: segunda marcha fúnebre de Wright. Finaliza con una modulación a la tonalidad mayor (lo que en clásica se denomina “cadencia picarda”). Fin del tema.



Conclusión:


Eclipsado por Dark Side of the Moon y Animals, este álbum nos aporta texturas y armonías propias del space-rock e incluso, en ocasiones, próximas al jazz. En apariencia puede parecer un disco más, de la época en que los Pink Floyd ya no eran un grupo de culto, sino de masas, pero en él encontramos una amalgama de sonidos que bombardean plácidamente al oyente, reducido a la nada ante tanta grandeza. Algunos podrán echar en falta la presencia de Alan Parsons como ingeniero de sonido, aunque el álbum no pierde un ápice de frescura por esto. Sin duda, uno de los mejores exponentes del estilo de Pink Floyd y un álbum recomendado para todo aquél con ganas de rendirse ante el sentimiento del rock progresivo. Por último, destacar el envoltorio negro del vinilo, idea copiada por Waters del álbum Country life, de Roxy Music.



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Algunas informaciones han sido extraídas del libro Pink Floyd: más allá del muro, de Fernando Forcada (Editorial Milenio, Lleida, 2006)




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Wish You Were Here: letras
Respuesta #10 - 02.10.06 a las 23:56:06
 
Wish You Were Here: the lyrics


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Shine On You Crazy Diamond Parts I – V


Remember when you were young, you shone like the sun
Shine on you crazy diamond
Now there’s a look in your eyes, like black holes in the sky
Shine on you crazy diamond
You were caught in the cross-fire of childhood and stardom,
Blown on the steel breeze
Come on you target for far away laughter,
Come on you stranger, you legend, you martyr, and shine!

You reached for the secret too soon, you cried for the moon
Shine on you crazy diamond
Threatened by shadows at night, and exposed to the light
Shine on you crazy diamond
Well you wore out your welcome with random precision
Rode on the steel breeze
Come on you raver, you seer of visions,
Come on you painter, you piper, you prisoner, and shine!
Recuerdo cuando eras joven, brillabas como el sol
Sigue brillando diamante loco
Ahora hay una mirada en tus ojos, como agujeros negros en el cielo
Sigue brillando diamante loco
Fuiste atrapado en el fuego cruzado de la infancia y el estrellato,
Soplado en la brisa de acero
Adelante, objetivo de risas lejanas,
Adelante, extranjero, leyenda, mártir, ¡y brilla!

Alcanzaste el secreto demasiado pronto, lloraste por la luna
Sigue brillando diamante loco
Amenazado por sombras en la noche, y expuesto a la luz
Sigue brillando diamante loco
Bien que dabas tu bienvenida con precisión aleatoria
Montado en la brisa de acero
Adelante, alborotador, visionario,
Adelante, pintor, gaitero, prisionero, ¡y brilla!


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Welcome to The Machine


Welcome my son, welcome to the machine
Where have you been?
It’s alright, we know where you’ve been
You’ve been in the pipeline, filling in time,
Provided with toys and Scouting for Boys
You bought a guitar to punish your ma,
And you didn’t like school,
And you know you’re nobody’s fool
So welcome to the machine

Welcome my son, welcome to the machine
What did you dream?
It’s alright, we told you what to dream
You dreamed of a big star
He played a mean guitar
He always ate in the steak-bar
He loved to drive in his jaguar
So welcome to the machine
Bienvenido, hijo mío, bienvenido a la máquina
¿Dónde has estado?
De acuerdo, sabemos dónde has estado
Has estado en la tubería, pasando el tiempo,
Provisto de juguetes y explorando para los chicos
Compraste una guitarra para castigar a tu madre,
Y no te gustó la escuela,
Y sabes que no eres el tonto de nadie
Así que bienvenido a la máquina

Bienvenido, hijo mío, bienvenido a la máquina
¿Qué soñaste?
De acuerdo, te contaremos lo que soñaste
Soñaste con una gran estrella
Tocaba una humilde guitarra
Siempre comía en el steak-bar
Le encantaba conducir su jaguar
Así que bienvenido a la máquina


Have a Cigar


Come in here, dear boy, have a cigar
You’re gonna go far, you’re gonna fly high
You’re never gonna die, you’re gonna make it if you try
They’re gonna love you
Well I’ve always had a deep respect
And I mean that most sincerely
The band is just fantastic, that is really what I think
Oh, by the way, which one’s Pink?
And did we tell you the name of the game, boy?
We call it “Riding the Gravy Train”

We’re just knocked out, we heard about the sell out
You gotta get an album out, you owe it to the people
We’re so happy we can hardly count
Everybody else is just green, have you seen the chart?
It’s a hell of a start, it could be made into a monster
If we all pull together as a team
And did we tell you the name of the game, boy?
We call it “Riding the Gravy Train”
Ven acá, chaval, toma un cigarro
Vas a llegar lejos, a volar alto
No vas a morir nunca, puedes hacerlo si lo intentas
Ellos van a quererte
Bien, siempre te he tenido un profundo respeto
Y te lo digo con total sinceridad
La banda es simplemente fantástica, eso es lo que de verdad pienso
Ah, por cierto, ¿quién de vosotros es Pink?
¿Y te dijimos el nombre del juego, chico?
Le llamamos “Montando la Ganga del Siglo”

Estamos tan asombrados, hemos oído hablar de las ventas
Tienes que lanzar un álbum, se lo debes a la gente
Estamos muy felices con la fuerte suma
Todo el mundo está celoso, ¿has visto los gráficos?
Es un comienzo magnífico, podría convertirse en un monstruo
Si todos cooperamos como un equipo
¿Y te dijimos el nombre del juego, chico?
Le llamamos “Montando la Ganga del Siglo”


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Wish You Were Here


”…and disciplinary remains, mercifully”
“Yes, for this sentence, now would you take this star nonsense?”
“No, no” “Now which is it…” “I’m sure of it…”


So, so you think you can tell heaven from hell, blue skies from pain
Can you tell a green field from a cold steel rail?
A smile from a veil, do you think you can tell?
And did they get to your trade your heroes for ghosts?
Hot ashes for trees? Hot air for a cool breeze?
Cold comfort for change?
And did you exchange a walk on part in he war for a lead role in a cage?

How I wish, how I wish you were here
We’re just two last souls swimming in a fish bowl, year after year
Running over the same old ground. What have we found? The same old fears
Wish You Were Here
”…y con disciplina permanece, compasivamente”
“Sí, por esta frase, ¿aceptarías ahora el capricho de una estrella?”
“No, no” “Ahora qué es esto…” “Estoy seguro de ello…”

Entonces, crees que puedes distinguir el cielo del infierno, azules cielos del dolor
¿Puedes distinguir un campo verde de un frío rail de acero?
Una sonrisa de un cumplido, ¿qué crees que puedes distinguir?
¿Y te obligaron a cambiar tus héroes por fantasmas?
¿Cenizas calientes por árboles? ¿Aire caliente por una brisa fresca?
¿Cambiaste el frío confort?
¿Y también cambiaste la intervención en parte de la guerra por un papel principal en una jaula?

Como deseo, como deseo que estuvieras aquí
Sólo somos dos almas perdidas nadando en una pecera, año tras año
Corriendo sobre el mismo viejo suelo. ¿Y qué hemos hallado? Los mismos viejos miedos.
Ojalá estuvieras aquí.


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Shine On You Crazy Diamond Parts VI – IX


Nobody knows where you are, how near or how far
Shine on you crazy diamond
Pile on many more layers, and I’ll be joining you there
Shine on you crazy diamond
And we’ll bask in the shadow of yesterday’s triumph
And sail on the steel breeze
Come on you boy-child, you winner and loser,
Come on you miner for truth and delusion, and shine!
Nadie sabe dónde estás, cuán cerca o cuán lejos
Sigue brillando diamante loco
Acumula muchas más capas, y me reuniré allí contigo
Sigue brillando diamante loco
Y nos calentaremos en la sombra del triunfo de ayer
Y navegaremos en la brisa de acero
Adelante, chico-niño, ganador y perdedor,
Adelante, minero de la verdad y el engaño, ¡y brilla!



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Yo no soy el Kwisatz Haderach

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Re: Discografía Oficial: Pink Floyd
Respuesta #11 - 04.10.06 a las 23:41:11
 
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Pink Floyd – Animals

Fecha de lanzamiento: 23 enero 1977



      Lo cierto es casi han pasado 30 años desde que este disco fue publicado. Lo recuerdo, estábamos muy ansiosos por poder escuchar la secuela de aquel mítico Wish You Were Here. Finalmente el álbum llegó sembrando el desconcierto. No, no se parecía a Wish You Were Here y tampoco a The Dark Side of the Moon. Oscuro, con un estética impactante sin duda, gracias a la mítica foto en portada de la estación eléctrica de Battersea con aquel cerdo volador, y cuya música no entraba muy bien a la primera escucha. Además, nunca antes se había visto más claramente el carácter conceptual de un disco de Pink Floyd que con éste y sus canciones tituladas como tres animales distintos. Claro, estábamos acostumbrados a la belleza contenida en temas como “Shine on You Crazy Diamond” o “Wish You Were Here”, pero eso no estaba aquí. La estética, de tener algo que ver, la tenía con piezas como “Welcome to the Machine” o “Have a Cigar”. Ambos discos eran como el Ying y el Yang, el anverso y el reverso. Recuerdo cuando un compañero de clase, que ahora es periodista, llegó diciendo que ya lo había escuchado y que empezaba con una canción acústica preciosa. Nos dijo en otro momento ¡es un gran disco! pero parecía estar intentando convencerse más a sí mismo antes que a los demás. Recuerdo la crítica, que lo comparaba con Meddle, un Meddle para los tiempos del punk, claro. ¿Meddle? Me preguntaba yo. Si, aquel bajo metronómico del comienzo de “Sheep” podría recordar algún fragmento de aquel disco, pero ¿dónde estaba el parecido del resto? Más tarde sabríamos de la encrucijada que representaba Animals y más cosas acerca de los significados de este álbum, pero debimos esperar para poder saberlo.
      Estaba claro que después de The Dark Side of the Moon Pink Floyd no podía hacer cualquier cosa y lo cierto es que se tomaron su tiempo y las canciones fueron apareciendo de forma orgánica y no forzada. Así, surgieron temas como “Shine on You Crazy Diamond”, en cierta forma una especie de coda emocional, centrada en Syd Barrett, de piezas de The Dark Side of the Moon como “Brian Damage” o el propio “Eclipse”. Junto a esta majestuosa canción también aparecieron “You Gotta Be Crazy” y “Raving & Drooling”, primordios de “Dogs” y “Sheep”. “Raving & Drooling” en una fecha tan temprana como junio de 1974, mientras que de “You Gotta Be Crazy” ya hay testimonios de noviembre del mismo año. En junio de 1975 seguirían interpretándose en directo. “Raving & Drooling” era ya claramente “Sheep” aunque más agresiva aún si cabe, pero faltándole los elementos añadidos para formar parte del ciclo de canciones que concibió Roger Waters. “You Gotta Be Crazy” en 1974 era una versión bastante más primitiva de “Dogs”, ya que era más corta, con líneas vocales distintas, faltando toda la sección intermedia, aquella que sería cantada por Waters. En 1975 se revisó y ya las líneas vocales fueron las definitivas, con una primera versión de la parte cantada por Waters. Es decir, ya era bastante más próxima a su plasmación discográfica. La historia ya conocida nos indica que el grupo desarrolló lo que sería Wish You Were Here primero, dejando en la recámara ambos temas. Así pues, las únicas “nuevas” canciones en Animals serían las dos “Pigs on the Wing” y “Pigs (Three Different Ones)”, canciones de Roger Waters.
      Desde The Dark Side of the Moon las letras de las canciones de Pink Floyd habían sido escritas por Roger Waters, lo cual dio lugar a que cada disco fuera en realidad un ciclo de canciones. Una forma como cualquier otra de hacer discos conceptuales, los cuales no tienen porque necesariamente ser narrativos. Desde que conocí con detenimiento The Wall siempre me pareció que The Dark Side of the Moon0 era una suerte de prefacio perfecto en la que se describen algunos de los ladrillos del muro,  en cierta forma. Wish You Were Here era más introspectivo, y su temática se trenzaba sobre Syd Barrett, la nostalgia, la industria del disco y la pérdida de la inocencia; todos ellos temas interrelacionados. Animals podía definirse como una visión sobre el mundo, un disco extrovertido, pero con veneno, ya que miraba hacia fuera sin gustarle lo que veía. Así la sociedad es dividida en tres estamentos, aquellos que tienen el poder, los que lo sustentan y aquellos sobre los que se ejerce ese poder. Los cerdos, los perros y las ovejas. Yo no encuentro ninguna relación directa entre este disco y Animal Farm de George Orwell, obra que muy probablemente Waters ya conocía y había leído.
      Según y como se mire, Animals es el último disco de Pink Floyd como cuarteto ya que The Wall es casi un disco en solitario de Waters, interpretado por Pink Floyd. El avance de Waters sobre el dominio del grupo, sin embargo aún no se  había completado y hay mucho de Dave Gilmour todavía aquí. Nick Mason ya no intervenía como compositor desde el álbum previo y en éste el papel de Rick Wright empezó a ser eclipsado, centrándose en sus teclados. Todo fue compuesto por Roger Waters, salvo “Dogs”, escrita junto a Dave Gilmour.
      “Pigs on the Wing 1” (1:25) daba inicio al disco con una sencilla y muy hermosa canción construida sólo con guitarra acústica y voz que sirve como preludio a toda lo obra. En ella Waters, de forma algo brechtiana, interpela a su público (Si no te preocupaste por lo que me sucedió, y yo no me preocupé por ti, deberíamos esquivarnos en nuestro camino que surca las sendas del aburrimiento y el dolor).
      “Dogs” (17:04) desde mi punto de vista es una especie de cima floydiana, sin duda mi tema preferido de mi disco preferido de Pink Floyd. Una pieza con la suficiente complejidad estructural como para poder afirmar que es lo más similar que Pink Floyd llegó a componer, salvando las distancias, en la onda del rock sinfónico estilo Yes. En un todo continuo se suceden diversas secciones de tempo cada vez más lento, antes de recuperar el esquema inicial. Los solos de la guitarra de Gilmour, que es el cantante principal de esta pieza, sobrecogen por lo rabioso de su expresión. El empleo de los efectos de sonido añade un toque especial. Escuchar como esa palabra del final de un verso como Stone se convierte en una especie aullido, y esos ladridos vocoderizados le dan el tono desasosegado que la pieza requiere. Los perros quizá no sean sólo las fuerzas armadas, la policía, la mafia, el crimen organizado, sino quizá también la propia industria del entretenimiento. Waters parece identificarse con ellos en el verso que él canta (Debo admitir que estoy algo confundido. A veces tengo la sensación de que estoy siendo utilizado). Toda la serie de afirmación finales de la letra, que se inician con la palabra Who, parecen situar a esta especie de desclasados que sirven a los cerdos sin ser ovejas (¿Quién [fue el que] nació en un hogar lleno de dolor? ¿A quién se inculcó que no hay que no escupir en el ventilador? ¿A quién le dieron sermones acerca de lo qué hay que hacer por la humanidad? ¿Quién fue traumatizado por verdaderos especialistas [en la materia]? ¿A quién se ajustó el collar y la cadena?...). Un final sublime.
      “Pigs (Three Different Ones)” (11:22) daba comienzo a la segunda cara del vinilo. En esta canción Waters cargó las tintas hacia el poder político y económico. Incluso se permitió el lujo de atacar directamente a la diputada ultraconservadora Mary Whitehouse, partidaria de una vuelta a la moral victoriana (Eh, tú, Whitehouse ja ja, mira que eres ridícula. Tú, el orgullo de la casa de un pueblo de ratones ja ja, mira que eres ridícula). Se inicia con un juego obsesivo de los teclados de Rick Wright y el bajo de Waters, y toda la canción, de tres estrofas, se mantiene en una tensión trufada de gruñidos porcinos y efectos hasta que llega el sólo de  guitarra liberador. Finaliza en fadeout.
      “Sheep” (10:24) es otro de los grandes momentos del álbum. El bajo metronómico se abre paso sobre un colchón de sonidos de ovejas, encima del cual Wright desarrolla un solo de piano eléctrico jazzístico. En el clímax entra la voz y la canción propiamente dicha, una excelente cabalgada guitarrística. El momento en que la voz de Waters se funde con el sintetizador de Wright es simplemente prodigioso, ¡qué gran hallazgo! En la sección central, más tranquila, una voz vocoderizada recita un texto derivado de una de los salmos bíblicos más conocidos (El Señor es mi pastor), en el que se muestra por fin una cierta rebeldía ante el orden establecido (Cuando llegue el día nosotros los despreciables, mediante la calma de la meditación y una gran dedicación dominaremos el arte del kárate. [Alza la mirada], debemos ponernos en pié. Y entonces haremos [que] los ojos de los malditos se llenen de lágrimas.”) y mueren los perros. La pieza termina con un fabuloso riff de guitarra que se repite para desembocar en una final en fadeout.
      “Pigs on the Wing 2” (1:25) finaliza el disco de nuevo con guitarra acústica y voz. En ella Waters vuelve a interpelar a su público, pero está más sereno (Sabes que me importa lo que te pueda suceder. Y sé que te preocupas por mí. Así que ya no me siento [tan] solo bajo el peso de [toda esta gran] losa).


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      El disco se tocó en directo en la gira In the Flesh, con la peculiaridad de que el orden de los temas cambió, así como alguno de los arreglos. Se iniciaba con “Sheep”, con una coda final conducida a tiempo lento por el órgano de Wright. Seguía con “Pigs on the Wing 1”, interpretada con voz, guitarra acústica y órgano, con un arreglo que hubiera encantado a dos de los ídolos de Waters, Neil Young y sobre todo Bob Dylan. Luego aparecía “Dogs”, que se beneficiaba de la presencia de la guitarra de Snowy White dándole la réplica a Gilmour. Proseguía el asunto con “Pigs on the Wing 2”, interpretada como su hermana, con la salvedad de tener una coda en la que se añadía batería y había un solo de Snowy White. Esta versión provenía de una grabación de “Pigs on the Wing” contenida en la edición en cartucho de 8 pistas del álbum, que unía las dos canciones por un puente instrumental con un solo de White, y se utilizó así en esta gira. Finalizaba la primera parte del espectáculo con “Pigs (Three Different Ones)”, claro, con un final desmadradísimo. Tras un hiato de 20 minutos se interpretaba Wish You Were Here íntegro en el mismo orden del disco. Los bíses solían ser “Money” y “Us and Them”. Espero que algún día Pink Floyd decida hacer como con la gira de The Wall y nos brinde una edición oficial de al gira In the Flesh. Lo merece.
      Nada del material de Animals fue interpretado por el grupo en directo después de esta gira. Solo Roger Waters lo ha recuperado en parte.

Carlos Romeo



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Re: Discografía Oficial: Pink Floyd
Respuesta #12 - 09.10.06 a las 18:41:29
 
PINK FLOYD
-
“THE FINAL CUT”
  -- Harvest ( EMI) – 1983
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Roger Waters: Bajo, guitarras & voces
David Gilmour: Guitarras & voces
Nick Mason: Batería, percusión

Invitados:
Michael Kamen: Piano, Harmonium
Andy  Bown: Hammond organ
Ray Cooper: Percusión
Andy Newmark: Batería en “Two suns in the sunset”
Raphael Ravenscroft: Saxo
La Natinal Philarmonic Orchestra, dirigida por Michael Kamen

Producido por Roger Waters, James Guthrie y Michael Kamen.
Portada diseñada por Roger Waters.

Tracklist:
1.  The Post War Dream — 3:02
2.  Your Possible Pasts — 4:22
3.  One of the Few — 1:23
4.  The Hero's Return — 2:56
5.  The Gunners Dream — 5:07
6.  Paranoid Eyes — 3:40
7.  Get Your Filthy Hands off My Desert — 1:19
8.  The Fletcher Memorial Home — 4:11
9.  Southampton Dock — 2:13
10.  The Final Cut — 4:46
11.  Not Now John — 5:01
12.  Two Suns in the Sunset — 5:14

Premonitorio título para un álbum que claramente significó el final de la banda como tal, al menos con la formación al completo, si exceptuamos a Barret.. En efecto, se trata claramente ,más de un proyecto en solitario de Roger Waters, que de un álbum de Pink Floyd en si.
El álbum está dedicado a la memoria del padre de Waters, Eric Fletcher Waters, muerto en la II Guerra Mundial, durante  la batalla del puente de Anzio en 1944.
Este suceso siempre estuvo en la mente de Roger Waters, y finalmente desembocó en la creación de un disco homenaje a su padre, y a la vez un claro alegato antimilitarista, que además coincidió con la Guerra de las Malvinas, con lo que Waters se despachó a gusto en su crítica hacia  la política belicista y colonialista de su propio gobierno, especialmente dirigido hacia su máximo dirigente Margaret Tatcher.
Se trata pues de un proyecto individual del bajista, el cual compuso todos los temas, y que, según palabras del propio David Gilmour, impidió a los demás miembros de la banda intervenir en él.
Hasta tal punto es así que prescindió directamente de Richard Wright, e incluso parece ser que dado el enfado de Mason  y especialmente de Gilmour, quien le manifestó a Waters directamente su hastío por  el recurrente  tema de la muerte de su padre y su idea de hacerle  un álbum homenaje, trató de que este álbum apareciera como un proyecto en solitario del propio  Roger Waters, y que Mason y Gilmour aparecieran en los créditos  como “músicos invitados” , lo cual no aceptaron de ninguna manera.

A causa de todo ello, el ambiente durante la grabación de este álbum , fue bastante enrarecido, y Mason y Gilmour se limitaron a poner sus partes correspondientes, sin ninguna participación en la composición de los temas. Waters incluyó a músicos de sesión a los teclados  ( Michael Kamen y Andy Bown )   bastante diluídos, y sustituyó la ampulosidad de teclados  ya característica de la banda cortesía de Wright, y que tan buen resultado había dado en álbumes como "The dark side of the moon" o "Wish you were here" con  el sonido de la Nacional Philarmonic Orchestra, dirigida por el propio Michael Kamen.

Originalmente este álbum iba a ser la banda sonora de  la película The Wall, pero al final, optó por grabarlo como un álbum-homenaje a su padre, y utilizó fundamentalmente el propio álbum “The Wall” para dicho film. El álbum iba  a llamarse originalmente “Spare Bricks”, pero en el último momento Waters  se decidió por el título que conocemos: “The final cut”  .

Como curiosidad técnica, para la grabación de este álbum, se utilizó por segunda vez en la historia el sistema “Holophonics” ( la primera vez que se utilizó fue para la grabación de “Aqua” de Edgar Froese ). Este sistema permite reproducir un sonido de forma tridimensional, una especie de holograma sonoro, basado en el sistema de grabación binaural, aunque ciertamente para disfrutarlo, hay que contar con el equipo adecuado. No tuvo demasiado éxito y se abandonó la idea. Un sistema parecido, el Qsound, utilizaron más tarde Pink Floyd en su “Pulse”, con buenos resultados.

“The Final Cut” es pues una obra en la que Waters termina por desatar todas sus fobias, que ya dejó entrever en The Wall, y plasma es este álbum un completo alegato antibelicista y un homenaje a su padre muerto durante la II Guerra Mundial , que incluye en temas como “Two suns in the sunset” , una proclama en contra de la proliferación de las armas nucleares. Esta crítica hacia el gobierno conservador británico, que se hallaba inmerso en plena guerra de Las Malvinas, parece que incomodó bastante a Gilmour, lo cual contribuyó aún más  a enrarecer la relación entre ellos, algo que sin embargo no afectó a los solos de guitarra que aparecen en varios temas del álbum , y que son francamente buenos. Es curioso comprobar que este disco apenas tiene partes de guitarra rítmica eléctrica, lo cual evidencia que Waters no contaba para nada con él en la creación del álbum,  limitándose a  incluir las guitarras acústicas de relleno y esporádicamente partes solistas por parte de Dave,  y que como comentaba anteriormente son en mi opinión, lo mejor con diferencia del álbum, lo cual demuestra su profesionalidad , quien a pesar de estar ya prácticamente apartado de la banda por Waters,  es capaz de plasmar unos solos  con su guitarra muy bellos, como en el tema “ The Fletcher Memorial Home”.                    

Otra consecuencia de este ambiente enrarecido fue la posterior “lucha encarnizada” por hacerse con los derechos del nombre de Pink Floyd entre Roger Waters y el resto de sus componentes.

En cuanto al propio álbum en si, personalmente me parece uno de sus trabajos más flojos y aburridos. Especialmente su primera mitad. La cosa mejora a partir de ahí, sobre todo gracias curiosamente a la labor de Gilmour, pero francamente, aparte de las críticas letras de los temas con todo su alegato contra la guerra, musicalmente para mi resulta un disco bastante aburrido, muy lejos del fantástico  “Animals” o del mismo “The Wall” que no es precisamente de mis discos preferidos de la banda.
Temas demasiado lineales, en los que claramente se da mas importancia  a los textos que a la música, donde Waters canta de forma “deliberadamente dramatica”, pero que para mi gusto la música  peca de sosa en prácticamente todo el disco. Dada dicha linealidad del álbum resulta difícil destacar algún tema sobre los demás, aunque yo me  quedaría con los dos que cierran el álbum: “Not now John” el más potente de todos y “Two suns in the sunset”, con un estupendo Raphael  Ravenscroft  ( el que puso el famoso saxo en el tema “Baker Street” de Gerry Rafferty) al saxo.
Y no es que sea malo, es que cuando escuchas un álbum de Pink Floyd esperas que te sorprenda, y este no lo hace en ningún momento. A pesar de ello, y de la enorme controversia creada en el Reino Unido por la feroz crítica hacia su gobierno, fue Nº 1 en UK y vendió 3 millones de copias, algo que sin embargo se consideró un “fracaso “ , tratándose de PF , sobre todo tras el éxito de su anterior obra, “The Wall”.
En resumen, flojo disco con el que se acaba la colaboración de Waters con el resto de la banda y que pondría punto final a la mejor formación que tuvo nunca el grupo, y que a pesar de los intentos tanto de Waters en solitario como del resto de miembros, quienes al final de un largo litigio ganaron la batalla legal por quedarse con el nombre de Pink Floyd, los cuales grabaron una serie de álbumes más o menos convincentes, nunca llegaron a alcanzar la calidad de piezas como "Meddle", "The dark...", "Wish..." o "Animals".


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LETRAS

     The Post War Dream (Waters)

[Car sound, switching on of car radio]
"...announced plans to build a nuclear fallout shelter at Peterborough
in Cambridgeshire..."
[phzzt! of returning]
"...three high court judges have cleared the way..."
[phzzt!]
"...It was announced today, that the replacement for the Atlantic
Conveyor the container ship lost in the Falklands conflict would be
built in Japan, a spokesman for..."
[phzzt!]
"...moving in. They say the third world countries, like Bolivia, which
produce the drug are suffering from rising violence...[fades]"

Tell me true, tell me why, was Jesus crucified
Is it for this that Daddy died?
Was it for you? Was it me?
Did I watch too much T.V.?
Is that a hint of accusation in your eyes?
If it wasn't for the nips
Being so good at building ships
The yards would still be open on the clyde.
And it can't be much fun for them
Beneath the rising sun
With all their kids committing suicide.
What have we done, Maggie what have we done?
What have we done to England?
Should we shout, should we scream
"What happened to the post war dream?"
Oh Maggie, Maggie what have we done?
     

Your Possible Pasts (Waters)

They flutter behind you your possible pasts,
Some bright-eyed and crazy, some frightened and lost.
A warning to anyone still in command
[Cattle truck noises]
"Ranks! Fire!"
Of their possible future, to take care.
In derelict sidings the poppies entwine
With cattle trucks lying in wait for the next time.

Do you remember me? How we used to be?
Do you think we should be closer?

She stood in the doorway, the ghost of a smile
Haunting her face like a cheap hotel sign.
Her cold eyes imploring the men in their macs
For the gold in their bags or the knives in their backs.
Stepping up boldly one put out his hand.
He said, "I was just a child then, now I'm only a man."

Do you remember me? How we used to be?
Do you think we should be closer?

By the cold and religious we were taken in hand
Shown how to feel good and told to feel bad.
Tongue tied and terrified we learned how to pray
Now our feelings run deep and cold as the clay.
And strung out behind us the banners and flags
Of our possible pasts lie in tatters and rags.

Do you remember me? How we used to be?
Do you think we should be closer?

     
One of the Few (Waters)

When you're one of the few to land on your feet
What do you do to make ends meet?
Teach.
Make them mad, make them sad, make them add two and two.
Make them me, make them you, make them do what you want them to.
Make them laugh, make them cry, make them lie down and die.


The Hero's Return (Waters)

Jesus, Jesus, what's it all about?
Trying to clout these little ingrates into shape.
When I was their age all the lights went out.
There was no time to whine or mope about.
And even now part of me flies over
Dresden at angels one five.
Though they'll never fathom it behind my
Sarcasm desperate memories lie.

Sweetheart sweetheart are you fast asleep? Good.
'Cause that's the only time that I can really speak to you.
And there is something that I've locked away
A memory that is too painful
To withstand the light of day.

When we came back from the war the banners and
Flags hung on everyone's door.
We danced and we sang in the street and
The church bells rang.
But burning in my heart
My memory smolders on
Of the gunners dying words on the intercom.
     
The Gunner's Dream (Waters)

Floating down through the clouds
Memories come rushing up to meet me now.
In the space between the heavens
and in the corner of some foreign field
I had a dream.
I had a dream.
Good-bye Max.
Good-bye Ma.
After the service when you're walking slowly to the car
And the silver in her hair shines in the cold November air
You hear the tolling bell
And touch the silk in your lapel
And as the tear drops rise to meet the comfort of the band
You take her frail hand
And hold on to the dream.
A place to stay
"Oi! A real one ..."
Enough to eat
Somewhere old heroes shuffle safely down the street
Where you can speak out loud
About your doubts and fears
And what's more no-one ever disappears
You never hear their standard issue kicking in your door.
You can relax on both sides of the tracks
And maniacs don't blow holes in bandsmen by remote control
And everyone has recourse to the law
And no-one kills the children anymore.
And no one kills the children anymore.

Night after night
Going round and round my brain
His dream is driving me insane.
In the corner of some foreign field
The gunner sleeps tonight.
What's done is done.
We cannot just write off his final scene.
Take heed of his dream.
Take heed.


Paranoid Eyes (Waters)

Button your lip. Don't let the shield slip.
Take a fresh grip on your bullet proof mask.
And if they try to break down your disguise with their questions
You can hide, hide, hide,
"I'll tell you what, I'll give you three blacks, and play you for five
..."
"Ta! You was unlucky there son"
"Time gentleman!"
Behind paranoid eyes.

You put on our brave face and slip over the road for a jar.
Fixing your grin as you casually lean on the bar,
Laughing too loud at the rest of the world
With the boys in the crowd
You hide, hide, hide,
Behind petrified eyes.

You believed in their stories of fame, fortune and glory.
Now you're lost in a haze of alcohol soft middle age
The pie in the sky turned out to be miles too high.
And you hide, hide, hide,
Behind brown and mild eyes.

"Oi!"


Get Your Filthy Hands Off My Desert (Waters)

"Oi...Get your filthy hands off my desert!"
"What 'e say?"

Brezhnev took Afghanistan.
Begin took Beirut.
Galtieri took the Union Jack.
And Maggie, over lunch one day,
Took a cruiser with all hands.
Apparently, to make him give it back.
     
The Fletcher Memorial Home (Waters)

Take all your overgrown infants away somewhere
And build them a home, a little place of their own.
The Fletcher Memorial
Home for Incurable Tyrants and Kings.

And they can appear to themselves every day
On closed circuit T.V.
To make sure they're still real.
It's the only connection they feel.
"Ladies and gentlemen, please welcome, Reagan and Haig,
Mr. Begin and friend, Mrs. Thatcher, and Paisly,
"Hello Maggie!"
Mr. Brezhnev and party.
"Scusi dov'è il bar?"
The ghost of McCarthy,
The memories of Nixon.
"Who's the bald chap?"
"Good-bye!"
And now, adding colour, a group of anonymous latin-
American meat packing glitterati.

Did they expect us to treat them with any respect?
They can polish their medals and sharpen their
Smiles, and amuse themselves playing games for awhile.
Boom boom, bang bang, lie down you're dead.

Safe in the permanent gaze of a cold glass eye
With their favorite toys
They'll be good girls and boys
In the Fletcher Memorial Home for colonial
Wasters of life and limb.

Is everyone in?
Are you having a nice time?
Now the final solution can be applied.

Southampton Dock (Waters)

They disembarked in 45
And no-one spoke and no-one smiled
There were to many spaces in the line.
Gathered at the cenotaph
All agreed with the hand on heart
To sheath the sacrificial Knifes.
But now
She stands upon Southampton dock
With her handkerchief
And her summer frock clings
To her wet body in the rain.
In quiet desperation knuckles
White upon the slippery reins
She bravely waves the boys Goodbye again.

And still the dark stain spreads between
His shoulder blades.
A mute reminder of the poppy fields and graves.
And when the fight was over
We spent what they had made.
But in the bottom of our hearts
We felt the final cut.
     
The Final Cut (Waters)

Through the fish-eyed lens of tear stained eyes
I can barely define the shape of this moment in time
And far from flying high in clear blue skies
I'm spiraling down to the hole in the ground where I hide.

If you negotiate the minefield in the drive
And beat the dogs and cheat the cold electronic eyes
And if you make it past the shotgun in the hall,
Dial the combination, open the priesthole
And if I'm in I'll tell you what's behind the wall.

There's a kid who had a big hallucination
Making love to girls in magazines.
He wonders if you're sleeping with your new found faith.
Could anybody love him
Or is it just a crazy dream?

And if I show you my dark side
Will you still hold me tonight?
And if I open my heart to you
And show you my weak side
What would you do?
Would you sell your story to Rolling Stone?
Would you take the children away
And leave me alone?
And smile in reassurance
As you whisper down the phone?
Would you send me packing?
Or would you take me home?

Thought I oughta bare my naked feelings,
Thought I oughta tear the curtain down.
I held the blade in trembling hands
Prepared to make it but just then the phone rang
I never had the nerve to make the final cut.

"Hello? Listen, I think I've got it. Okay, listen its a HaHa!"


Not Now John (Waters)

crappity smack all that we've got to get on with these
Gotta compete with the wily Japanese.
There's too many home fires burning
And not enough trees.
So crappity smack all that
We've go to get on with these.

Can't stop
Lose job
Mind gone
Silicon
What bomb
Get away
Pay day
Make hay
Break down
Need fix
Big six
Clickity click
Hold on
Oh no
Brrrrrrrrrring bingo!

Make 'em laugh.
Make 'em cry.
Make 'em dance in the aisles.
Make 'em pay.
Make 'em stay.
Make'em feel ok.

Not nah John
We've got to get on with the film show.
Hollywood waits at the end of the rainbow.
Who cares what it's about
As long as the kids go?
Not now John
Got to get on with the show.

Hang on John we've got to get on with this.
I don't know what it is
But it fits on here like.....
Come at the end of the shift
We'll go and get pissed.
But now now John
I've got to get on with this.

Hold on John
I think there's something good on.
I used to read books but.....
It could be the news
Or some other abuse
Or it could be reusable shows.

crappity smack all that we've got to get on with these
Got to compete with the wily Japanese.
No need to worry about the Vietnamese.
Got to bring the Russian Bear to his knees.
Well, maybe not the Russian Bear
Maybe the Swedes.
We showed Argentina
Now let's go and show these.
Make us feel tough
And wouldn't Maggie be pleased?
Nah nah nah nah nah nah nah!

"s'cusi dove il bar
(What?)
se para collo pou eine toe bar
s'il vous plait ou est le bar
(...say it in English!...)
oi, where's the crappity smacking bar John?
(Oh, now you're talking!)"
Oh! Rule Britannia! Britannia rules the day
Down!
Go, Maggie!
Hammer, Hammer, Hammer, Hammer, now!
     
Two Suns in the Sunset (Waters)

In my rear view mirror the sun is going down
Sinking behind bridges in the road
And I think of all the good things
That we have left undone
And I suffer premonitions
Confirm suspicions
Of the holocaust to come.

The wire that holds the cork
That keeps the anger in
Gives way
And suddenly it's day again.
The sun is in the east
Even though the day is done.
Two suns in the sunset
Hmmmmmmmmmm
Could be the human race is run.

Like the moment when the brakes lock
And you slide towards the big truck
"Oh no!"
"[scream] Daddy, Daddy!"
You stretch the frozen moments with your fear.
And you'll never hear their voices
And you'll never see their faces
You have no recourse to the law anymore.

And as the windshield melts
My tears evaporate
Leaving only charcoal to defend.
Finally I understand the feelings of the few.
Ashes and diamonds
Foe and friend
We were all equal in the end.

"...and now the weather. Tomorrow will be cloudy with scattered showers
spreading from the east ... with an expected high of 4000 degrees
Celsius"









     
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Género: male
Pink Floyd - A momentary lapse of reason (1987)
Respuesta #13 - 10.10.06 a las 23:32:51
 
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PINK FLOYD - "A momentary lapse of reason" (1987)

01. Signs of life (04:24) [Gilmour/Ezrin]
02. Learning to fly (04:53) [Gilmour/Anthony Moore/Ezrin/Carin
03. Dogs of war (06:05) [Gilmour/Moore]
04. One slip (05:10) [Gilmour/Phil Manzanera]
05. On the turning away (05:42) [Gilmour/Moore]
06. Yet another movie // 06a. Round and round (07:28) [Gilmour/Leonard // Gilmour]
07. A new machine pt.1 (01:46) [Gilmour]
08. Terminal frost (06:17) [Gilmour]
09. A new machine pt.2 (00:38) [Gilmour]
10. Sorrow (08:46) [Gilmour]

DAVID GILMOUR: guitars, vocals, keyboards, sequencers.
NICK MASON: electric & acoustic drums, sound effects.

Invitados:

RICHARD WRIGHT: piano, vocals, Kurtzweil, Hammond organ.
BOB EZRIN: keyboards, percussion, sequencers.
TONY LEVIN: bass guitar, stick.
JIM KELTNER: drums.
STEVE FORMAN: percussion.
JON CARIN: keyboards.
TOM SCOTT: alto & soprano saxophone.
SCOTT PAGE: tenor saxophone.
CARMINE APPICE: drums.
PAT LEONARD: synthesizers.
BILL PAYNE: Hamond organ.
MICHAEL LANDAU: guitar.
JOHN HALLIWELL: saxophone.
DARLENE KOLDENHAVEN: backing vocals.
CARMEN TWILLIE: backing vocals.
PHYLLIS ST. JAMES: backing vocals.
DONNIE GERRARD: backing vocals.

"A momentary lapse of reason" supone una importante entrega discográfica dentro de la trayectoria de Pink Floyd. Tras las últimas producciones ("The Wall", 1979 y "The final cut", 1983) que habían orientado la imagen del grupo a girar en el universo de un creador tan personal como Roger Waters no se sabía cuál sería el futuro de la agrupación tras la partida de uno de sus miembros de más peso. La respuesta vino con este trabajo, en donde el discurso musical aparece fluido y coherente, sin tanta complejidad aparente en cuanto a textos y música, pero sin perder ese halo conceptual e hipnótico que tienen Pink Floyd (algo que se puede comprobar en la estética de su portada, con sus toques surrealistas y simbólicos, como la repetición obsesiva de las camas). La música de "A momentary lapse of reason" está más cerca de piezas como "Not now John" (de su álbum anterior "The Final cut"), con influencias de las músicas negras (sobre todo blues, soul o gospel) y un sonido general más cercano a las épocas coetáneas de Dire Straits o Queen, dentro de esa polémica denominación, puramente con fines mercantilistas, de "rock para adultos", aunque manteniendo sellos genuinos de su sonido clásico, como la voz de Gilmour y sus expresivos solos de guitarra sobre ritmos lentos o medios.    

Gilmour y Mason son los artífices de esta vuelta al ruedo de la agrupación, uniéndose posteriormente Wright como músico acompañante (vuelta al seno de la banda que será oficial en "The division bell" de 1994). En cuanto a la plantilla de músicos acompañantes no es para nada desdeñable, conformada en su mayoría por reputados músicos de formaciones muy reconocidas dentro del rock o del jazz y con un sólido recorrido como sesionistas (tanto en grabaciones como en directos): desde el multiinstrumentista Tony Levin (King Crimson, Peter Gabriel y un sinfín de múltiples proyectos de diversas inquietudes musicales), los jazzistas Michael Landau o Tom Scott (colaboradores de gente como Steve Lukather, Joni Mitchell, Chicago, Wings, David Benoit, Eric Marienthal, Alphonse Mouzon, Yellowjackets, Vinnie Colaiuta, America, Jon Anderson, Thijs Van Leer, Billy Cobham, Fred Frith o John Wetton), hasta históricos como John Halliwell & Scott Page (miembros ambos de Supertramp encargados de los instrumentos de viento), Carmine Appice (miembro de Vanilla Fudge, Cactus o el trío eléctrico junto a Jeff Beck y Tim Bogert, entre otros proyectos), Jim Keltner (veterano sesionista de Cal Tjader, John Lennon, Ry Cooder o Paul Horn), Bill Payne (de los blueseros Little Feat) o Steve Forman (colaborador de gente tan diversa como Lee Ritenour, Herb Alpert, Poco o REO Speedwagon), e incluso apostando por caras menos conocidas de aquella como Jon Carin (quien repetiría en su posterior "The division bell") o Pat Leonard (quien ya había colaborado con Stanley Clarke y que en un futuro lo haría con estrellas internacionales de la talla mediática de Madonna o Bryan Adams). Todo ello favorecería e imprimiría un sello de calidad a la música, más allá de los gustos de cada uno.  

El disco se abre con "Signs of life", pieza instrumental que puede recordar por momentos a las primeas partes de "Shine on you crazy diamond" por su tono lánguido y el diálogo creciente entre los teclados y la guitarra (sobre un gran colchón en Mi menor, frente al Sol menor de SOYCD), realizando variaciones sobre el tema principal de "Sorrow", a partir de 02:48 (el tema que cierra el álbum y que también está en Mi menor). En Pink Floyd hay "signos de vida". Y es sólo el principio.

"Learning to fly" fue el gran single de este disco, un tema que sintetiza lo que será la nueva época de Pink Floyd: gran protagonismo de Gilmour con su voz grave y su toque bluesero guitarrístico, potentes coros de voces femeninas, medios tiempos con estructura estrófica, juegos diversos con efctos sonoros y alguna parte instrumental ocasional, y todo con un sonido bastante digno. Se nota que están cómodos y adaptados a los nuevos tiempos.

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"The dogs of war" es una de las piezas más oscuras del álbum, con ese comienzo con el ostinato (siempre me vienen ecos de "La consagración de la Primavera" de Stravinsky en esta parte, qué le voy a hacer, aunque me recuerda más al principio de "Empty spaces" de THE WALL) y una voz mucho más agresiva y visceral, también patente en el carácter del solo de guitarra, la fiereza del ataque del saxo en su momento central y los rugidos del órgano Hammond. Los perros de la guerra (cuyas imágenes aparecían en las representaciones en directo cuando interpretaban este tema) parecen plasmaciones orwellianas complementarias a "Animals" ¿No pensáis?

Con "One slip" se incide en esa línea de "Learning to fly", piezas sencillas estructuralmente de sonido rotundo y mucho sabor a rock clásico, con un importante trabajo armónico en las voces y un ritmo muy marcado. Como curiosidad, su inicio de collage sonoro formado por elementos electrónicos que primero suenan por separado y luego en conjunto me recuerdan en cierta manera a la superposición de los relojes de "Time".    

"On the turning away" es una balada que va in crescendo en cuanto a su intensidad y conjunto instrumental, desembocando en un solo de guitarra como culmen expresiva ¿Os acordáis de los "crescendos" que esbozaba en la reseña de "Ummagumma"? Pues aquí va uno pequeñito dentro de esta nueva época:

Inicio: sólo voz Gilmour y fondo teclado grave (00:00-00:55)
Repetición: voz Gilmour, guitarra acústica, percusión y teclados graves/medios (hasta 01:28)
Repetición 2: voz Gilmour con pequeños coros, batería, guitarra acústica y teclados graves/medios (hasta 02:03)
Interludio instrumental: material diferente, (hasta 02:47)
Repetición 3: voz Gilmour, coros femeninos, batería, teclados graves/medios, guitarra acústica y la eléctrica empieza a hacer respuestas en registro medio (hasta 03:28)
Repetición 4: solo de guitarra de Gilmour (empezando en nota aguda: clímax). En 04:07 se marca el ritmo más rápido en la batería, marcando el tiempo en unidades más pequeñas (lo cual da una idea de mayor rapidez y ayuda a realzar el clímax).

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"Yet another movie" presenta influencia de la estética más maquinista de los 80's, con los sonidos casi rítmicos de los sintetizadores o las marcadas cajas de la batería, a la par que la voz casi robótica de Gilmour. Es un tema bastante oscuro con un par de interludios instrumentales que le dan un mayor color armónico al desarrollo (como el de 03:35 y el del final). Aquí se incluye la coda instrumental atmosférica "Round and round", preparándonos para "Sorrow" (y cómo no, otra vez en Mi menor). "Round and round" aparece como subsección separada de este corte, como 6a, e incluso algunos reproductores que puedan leer este tipo de tracks permite la opción de escucharlos por separado.

La estética maquinista sigue su curso con "A new machine" (parts I & II), en donde los lamentos de Gilmour, manipulados por diversos efectos vocales, se tornan en preguntas sin respuesta que transmiten una tensa sensación de soledad. Entremedio, el instrumental "Terminal frost", uno de mis temas preferidos del álbum, marca una tónica más cercana a las nuevas músicas instrumentales con ecos del jazz de los 80's y de algunas propuestas del sello Windham Hill (como Shadowfax o similares), con un carácter de guitarra solista que está muy presente. Esta línea se verá continuada con temas tan interesantes como "Maroon(ed)" o "Cluster one" de su posterior álbum "The division bell" (1994).

El álbum se cierra con "Sorrow", otro tema muy digno de este disco, con una introducción instrumental a la guitarra muy expresiva y unos cuidados arreglos en las armonías de los teclados (fijaos que el tema se abre en Mi menor, durante las dos veces que Gilmour esboza la melodía principal de la guitarra, y el bajo no cambia. Al final, cuando interpreta toda la línea melódica, a partir de 01:09, el bajo plantea una situación tonal: Do-Sol-Do-Sol-Re que ayuda a buscar ese final que no podía ser otro que Mi). Es el tema más largo del disco (sobrepasando los 8 minutos) y que crece enormemente en directo (sobre todo a partir de la intro y de una outro similar a la anterior que Gilmour siempre solía hacer).

En general, creo que tanto "A momentary lapse of reason" como "The final cut" representan dos momentos de transición: mientras el otro marcaba el final de la época con Waters (mostrando claramente cuál era su importante papel dentro del sonido grupal), éste se encarga de manifestar la continuidad del resto del grupo, mostrándoles en un registro en el que se encuentran muy cómodos y puede dar mucho de sí, viéndose a su vez que el inconfundible toque "Pink Floydesco", sin estar Waters involucrado, sigue patente (aunque en otros registros diferentes). Y es que Pink Floyd era la suma de varios factores en donde, al juntarse, se multiplicaba el valor del producto. Probablemente "The final cut" y "A momentary lapse of reason" fueron necesarios para ayudar a conformar la personalidad musical de Pink Floyd, plantear nuevas cuestiones y aportar nuevas perspectivas. En general me parece un disco bastante aceptable y agradable de escuchar (aunque no plantee nada nuevo), que se verá madurado en su siguiente trabajo en esta línea: "The division bell" (1994).

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¡Saludos!   Divertido


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Género: male
Re: Discografía Oficial: Pink Floyd
Respuesta #14 - 13.10.06 a las 12:35:30
 
PINK FLOYD - THE DIVISION BELL (1994)


Realizado en 1994, posiblemente sea el mejor álbum de la era post-Waters, con unas guitarras muy trabajadas y tratando de emular el estilo establecido en los '70, pero sin rastros de sicodelia ni de riesgos. Aun así, se trata de un disco muy atmosférico, con más instrumentación de lo habitual, donde el nombre de Rick Wright vuelve a formar parte integral de la banda y su figura retoma el protagonismo perdido a partir de The Wall. Recordemos que desapareció en The Final Cut y fue músico colaborador en A Momentary Lapse of Reason y Delicate Sound of Thunder.

Como no podía ser de otra manera, Pink Floyd crea un álbum de concepto donde la comunicación es la protagonista y la importancia de comunicarnos con los demás, el argumento; especialmente la comunicación de Roger Waters con los actuales miembros de la banda. De acuerdo con David Gilmour, y dicho de forma diplomática, el título del álbum se refiere a la campana utilizada en el Parlamento británico para llamar a votar a las dos facciones divididas. El álbum coloca a esas facciones los nombres de Waters y los actuales miembros de Pink Floyd.

El concepto gira tristemente en un “Roger, debiste comunicarte con nosotros en su momento y debes hacerlo ahora”, contradiciéndose a las declaraciones hechas por los líderes del grupo. En muchos aspectos, el álbum suena a tributo a Waters y a la guerra establecida con él, como ya veremos más adelante.

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Créditos:

David Gilmour: Voz, guitarra, bajo, teclados y programación.
Nick Mason: Batería y percusión.
Rick Wright: Teclado y voz.
Tim Renwick: Guitarras.
Guy Pratt: Bajo.
Gary Wallis: Percusión.
Jon Carin: Programación y teclados adicionales.
Dick Parry: Saxofón tenor.
Bob Ezrin: Teclados y percusión.
Sam Brown, Durga McBroom, Carol Kenyon, Jackie Sheridan y Rebecca Leigh-White: Coros.
Michael Kamen: Orquestación.

Temas:

1.- Cluster One (5.58)
Intro muy del estilo de los Floyd. Atmosférico. Con un piano suave al que posteriormente se une una guitarra delicada, estableciendo una especie de juego entre ambos instrumentos hasta la entrada de la batería. Muy buen sonido y una gran guitarra en la cual Gilmour, como siempre, saca gran provecho de aparentes sonidos simples recordándonos su condición de gran guitarrista. Buen comienzo para el álbum.

2.- What Do You Want From Me (4.21)
Con un intro de estilo “funky” en el cual la guitarra gana en intensidad, se trata de un buen tema para escuchar con el volumen alto. Sonido muy “floydiano” y una buena letra en la cual destaca la ayuda prestada por Polly Samson, tanto aquí como en el resto de las letras del álbum, sabiéndose que Gilmour nunca se ha destacado por sus líricas. Tema sólido en el que también destaca el sonido de las “Blackberries” o coros femeninos que representarían a los Floyd a partir del Dark Side of the Moon. Buen tema.

En el concepto del álbum, pareciera que se le preguntara al oyente ¿qué necesitas para llamar tu atención?, poniéndonos un poco a la defensiva, pero con arreglos musicales que hacen que aceptemos el desafío de una forma relajada y listos para el siguiente asalto. La conexión entre las canciones se hace de forma continuada, sin saltos entre las pistas, consiguiendo que parezca un álbum de un solo tema y no una colección de canciones sueltas.

3.- Poles Apart (7.04)
Intro de guitarra acústica muy agradable que, junto al bajo, dejan fluir la canción hasta el comienzo de la letra y la guitarra eléctrica. En la mitad del tema nos encontramos con una serie de efectos de sonido que, en mi opinión, estropean la canción. Los Floyd son bien conocidos por los efectos sonoros, pero estos en particular, sobran. Retoma el hilo de la canción hasta terminar en un interesante solo de guitarra. Se trata de Pink Floyd en esencia.

Regresando a la temática del enfrentamiento con Waters, pareciera un tema “anti-Roger”. Me atrevería a decir que el uso de la frase “Hey you” no es casual. Como queriendo decir que Roger “ha perdido ese brillo de sus ojos” (...lose that light in your (his) eyes), dejando de ser aquel muchacho genial que alguna vez fue un músico excepcional (aunque recordemos que para este disco las letras fueron “co-escritas”, cosa que Waters nunca hizo en el resto de álbumes de la banda, por lo menos nunca junto a elementos ajenos al grupo).

4.-Marooned (5.29)
Magnífico “jam” de guitarra que se hizo merecedor de un premio Grammy en la categoría de “Mejor Tema Instrumental”. Los admiradores de Gilmour podemos sentirnos satisfechos y congraciados con este solo, muy de su estilo. Gentil, suave, atmosférico, elegante, sobrio, contundente. Un muy buen tema que da la sensación de aislamiento en una isla con la compañía única de la naturaleza alrededor.

Posiblemente el título se refiera al abandono de la banda por parte de Waters, y seguramente sea ese su significado ya que el siguiente tema es “A Great Day For Freedom” (Un gran día para la libertad).

5.- A Great Day For Freedom (4.17)
El inicio se establece con un piano y la voz de Gilmour. Muy buena letra pero lo más importante: Termina con un gran solo de guitarra, lleno de emoción e intensidad. Tema muy sinfónico.

Si aún no estamos convencidos del planteamiento establecido de que la banda pensaba en Roger Waters al grabar el disco, aquí hay una nota más. La canción empieza con un “On the day The Wall came down”. Por supuesto, aquí no se refiere al muro de Berlín ni al muro levantado por Israel en Palestina. Este muro hace referencia al que se interpone entre las personas (recordemos que el muro de The Wall también se refiere a barreras personales y emocionales), mostrando un poco de ese sarcasmo típicamente “floydiano” donde existe un “Gran día para la libertad” al caer dicho muro. A partir de ese día pueden fluir sentimientos encontrados, pesares y el “amargo residuo” (bitter residue) de lo ocurrido. Además, hablar de los Floyd y de un muro que retiene sentimientos y que posteriormente es derribado... dice bastante.

6.- Wearing the Inside Out (6.49)
Muy buen tema con cierto aire de jazz, que da inicio con un saxo tranquilo del incombustible Dick Parry, acompañado de guitarras y percusiones y en el que la voz de Richard Wright es acompañada por las Blackberries. Seguramente en algún momento se nos haga un tema largo. Posee un solo de guitarra intermedio y otro más intenso al final del tema. En ciertos aspectos, pareciera una continuación al gran tema “Comfortably Numb” de The Wall.

Es el único tema en cuya letra no participa David Gilmour, y la única seña que lo une al pasado de Pink Floyd son los latidos de corazón que pueden ser escuchados al final, que por supuesto nos refieren al gran clásico Dark Side of the Moon.

7.- Take it Back  (6.12)
En este tema todo cambia con respecto a lo que veníamos escuchando. Se trata de una especie de balada pop que no deja de ser interesante ni de sonar bien. Es de entre los siete primeros temas, el más flojo y simple. Tal vez sea por esta razón que sonó en la radio. Una especie de “Run Like Hell” reinventado pero que no posee un solo de ningún instrumento

Mientras que algunos piensan que la letra gira en torno a la Madre Tierra, que nos la va a dar todas juntas un día de estos por los malos tratos que le infringimos, el tema pareciera esconder otra razón para ese “Take it Back” que puede ser traducido como “agárralo de regreso”, “recíbelo” e incluso “retráctate de...”

8.- Coming Back to Life (6.19)
Comienza con una guitarra suave y de tendencia al blues, secundada únicamente por un órgano. Posteriormente llegan las letras y un ritmo muy de los ’80 que tal vez debió ser más trabajado. Otro solo, más letras y un soberbio solo de guitarra al final, muy propio del estilo de Gilmour. Solamente por las guitarras, merece la pena este tema.

La canción sigue en la línea del “Seguimos pensando en Roger”, diciendo “ahora estoy mucho mejor sin ti”. Prestándole atención a la letra, encontramos que habla de un “cuando estabas tu, yo me encontraba fatal” girando todo el tiempo en torno a esta temática. Un antes bueno pero oscuro en el cual miraba a un futuro. “I knew the moment had arrived, for killing the past and coming back to life” (Sé que ha llegado el momento de acabar con el pasado y regresar a la vida).

9.- Keep Talking (6.11)
Muy buen intro en el cual podemos escuchar la voz robotizada del gran físico Stephen Hawking, y en el cual las letras fluyen de gran forma, iniciándose una especie de conversación entre David Gilmour y las Blackberries. Un gran solo de guitarra distorsionado, seguido por otro pero de teclado a cargo de Wright. Vuelven las voces y terminamos con una voz muy distorsionada que hace las veces de solo final. El tema termina de la misma manera que empezó. Muy buena canción que demuestra que Pink Floyd aún tiene algo que ofrecernos.

El problema de la comunicación continúa en este gran tema. Hawking con gran esfuerzo y ayuda tecnológica, expone sus ideas científicas y, en este caso, se comunica con nosotros... y de paso... Roger, ¿por qué no lo intentas?. Keep Talking, Mantente hablando. Comunícate.

10.- Lost for Words (5.15)
Intro acústico que después deriva en acordes de guitarra acústica en un tema que por momentos suena a spot publicitario de TV. La canción fluye y en la mitad volvemos a escuchar los particulares efectos sonoros de Pink Floyd, en este caso un ring de boxeo, y por último un solo de guitarra acústica que se va desvaneciendo hasta el final. Buen tema pero creo que como la mayoría de los de este álbum, la calidad de Gilmour frente a la guitarra marca las diferencias entre lo que es un buen disco y lo que podría haber sido un disco normal poco digno de ser destacado.

Una balada acústica que le propina un último golpe dialéctico a Roger Waters. En esta pista la temática se vuelve más dura, si cabe. Nos adentramos en un ambiente boxístico que recuerda las dificultades que hubo, pero estas dificultades llevan a la irritación y al tedio después de un tiempo. Además, Gilmour canta directamente ”So I open my doors to my enemies, and I ask could we wipe the slate clean, but they tell me please go crappity smack myself, you know you just can’t win” (Así le abrí la puerta a mis enemigos, y pregunté si podríamos dejarnos de ataques, pero ellos me dijeron por favor jódete, sabes que no puedes ganar).

11. High Hopes (8.32)
Seguramente la mejor pista de todo el disco, este fue el primer tema escrito para el álbum y el último en terminarse. Una gran canción que comienza con un piano repetitivo y el tañido de una campana lejana haciendo juego con el zumbido de insectos y canto de pájaros. Mezcla de sonidos, muy tradicional de la banda hasta el momento en que entra la voz con un aire bastante oscuro e incluso místico. Si estábamos preguntándonos donde está el trabajo de Bob Ezrin que aparece en los créditos, aquí se encuentra su gran influencia. El tema posee un solo de guitarra acústica acompañada de una orquestación para dar paso nuevamente al piano y la campana. Más letras y al final, un gran solo de guitarra slide y orquestación, llevando sobre sus hombros la carga de la canción. Dos minutos de solo soberbio que gustará a cualquier admirador, ya no solo de David Gilmour, si no del sonido de la guitarra en general, y en cuyo final volvemos a escuchar la campana de la división. Como curiosidad, la conversación que puede escucharse al final del tema es entre Steve O’Rourke y Charlie, hijo de Gilmour, con el telefonillo del estudio. Fué incluido dado el deseo de O’Rourke de aparecer o participar en una grabación de los Floyd.

En el concepto, este tema parece significar que la separación entre Roger Waters y la banda es total y definitiva. La letra nos habla de lo mejor que lucen las cosas actualmente, cuando nos deshacemos de lo que sobra o molesta. Lo hemos intentado durante todo el álbum, pero no hay nada que hacer. La ruptura es total y definitiva.

Carátula:

La carátula del álbum fue diseñada por el eterno colaborador de Pink Floyd, Storm Thorgerson. El cd muestra dos esculturas de metal con forma de cabeza con una altura de tres metros y un peso de 1.500 kilogramos cada una. Fueron colocadas en un campo de Cambridgeshire en Inglaterra, donde fueron fotografiadas durante dos semanas a distintas horas del día y condiciones meteorológicas para obtener diferentes efectos luminosos y elegir el mejor. Entre ambas se hace visible la Catedral de Ely junto con unos focos (posiblemente de coche).

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Se esculpieron además dos esculturas adicionales, esta vez de piedra, con las mismas dimensiones para el diseño del cassette que salió también a la venta. La foto de dichas esculturas de piedra no aparece en el cd pero si en el programa de la gira de P*U*L*S*E.

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También se utilizaron distintas versiones de las “dos cabezas” para los tapices y carteles publicitarios del álbum, lo cual le dio una gran riqueza visual al disco y a la maquinaria de marketing montada a su alrededor.

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Las dos cabezas enfrentadas pueden reafirmarnos lo que hemos venido escuchando a lo largo del álbum. Dos seres del mismo nivel y de dimensiones impresionantes (talento) se hallan confrontados.

Con un poco de imaginación, podemos encontrar en todas y cada una de las fotografías y diseños del interior del cancionero del cd, al menos una de las dos cabezas, si no es directamente, las encontramos con formas parecidas que nos las sugieren, como dos guantes de boxeo o incluso una montaña.

Conclusión:

Pink Floyd es un dinosaurio del rock progresivo y sus pasos son lentos, tratando en todo momento de pisar sobre suelo firme y seguro, lo cual supone la ausencia de riesgos, de inventiva e innovación. The Division Bell es un disco muy recomendable, realizado por grandes músicos y colaboradores, pero tenemos que quitarnos de la cabeza la idea del Pink Floyd de los años ’70, trasladarnos a la época actual y dejarnos de prejuicios musicales. Simplemente tenemos que detenernos a escucharlo con atención para darnos cuenta del interesante y buen disco que tenemos ante nuestros oídos. Como leí en internet (no recuerdo donde) y sin desmerecer: “El riesgo quedó en la prehistoria: Pink Floyd se conforma con ser una maquinaria formalmente correcta”.


Enrique


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