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Enciclopedia de instrumentos musicales (Leído 17 582 veces)
Davol
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Enciclopedia de instrumentos musicales
10.01.06 a las 20:48:54
 
Bueno, aunque parezca de perogrullo, sería interesante que hablásemos de los instrumentos musicales que usan nuestros queridos grupos progresivos, ya que gracias a ellos podemos pasar incontables horas disfrutando de buena música. De esta forma podríamos conocer un poco más en profundidad las virtudes de cada uno de ellos.



   Comento uno del agrado de muchos: el Mellotron.

  Simplificando, el  Mellotron es un teclado donde cada tecla está asociada a una cinta grabada con el sonido de un instrumento musical determinado. Al presionar la tecla suena la nota del instrumento, el cuál estará sonando mientras se mantenga presionada dicha tecla. Los sonidos de las cintas grabadas suelen ser de: viola, 16 ó 3 violines, cello, combinaciones de todos estos, además de flautas, coros, teclados, percusión,.. Este instrumento ha sido muy usado en el rock progresivo debido a los sonidos agradables que emite, produciendo un gran lirismo y un alto impacto emocional en la persona que lo escucha.



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     Grupos que usaron en gran medida el mellotron fueron The Moody Blues (por ejemplo en su famoso tema "Noche de blanco satén" del disco Días del futuro pasado), King Crimson (por ejemplo en: In The Court of the Crimson King, en los temas "Epitaph" y "In The Court of the Crimson King")  y Génesis ( por ejemplo: Trespass, Nursery Cryme, Foxtrot...).

  Algunos ejemplos más donde podéis escuchar este instrumento:

# Camel (Peter Bardens): en el primer disco (en la contraportada aparece erróneamente acreditado como "Mellatron"), Mirage, The Snow Goose

# Yes (Rick Wakeman): Fragile, destacando la innovadora e imaginativa utilización del aparato en Close to the Edge

# Caravan (David Sinclair): "Golf Girl" y "Nine Feet Underground" en In The Land of Grey and Pink (1971).


# Steve Hackett, guitarrista de Genesis, era un enamorado del Mellotron, y afirma que fue él quien convención a Banks para introducir el Mellotron en su arsenal de teclados. Lo utilizó personalmente en sus discos en solitario para Blue Plate: Voyage of the Acolite (1975), Spectral Mornings (1979). Recientemente, en Genesis Revisited (1996).


# The Nice (Keith Emerson), en "Diamond Hard Apples Of The Moon" (1968), cara B de su conocido single "America". Esta es la única grabación de Emerson con Mellotron.

# Pink Floyd, en sus primeros trabajos. Por ejemplo, "Sysyphus" en Ummagumma (1969).

# Beggar's Opera (Virginia Scott): Waters of Change (1971)


# Nektar: Magis Is A Child (1977)

# Epidaurus: Earthly Paradise (1977)


#PFM (Flavio Premoli): Storia di un Minuto, Per un Amico, Photos of Ghosts.

# Museo Rosenbach: Zarathustra (1973)

# Focus (Thijs Van Leer): Moving Waves (1971), Hamburger Concerto (1974)

# Par Lindh Project (Par Lindh): Mundus Incompertus (1997), entre otros. En sus grabaciones, Lindh utiliza un modelo MkV y/o 400.

#The Flower Kings (Tomas Bodin): Retropolis (1996). Bodin también ha utilizado el Mellotron en sus grabaciones en solitario: An Ordinary Night In My Ordinary Life (1996).


# Anekdoten (Nicklas Bert, Ana Sofi Dahlberg): Nucleus (1995), Live EP (1997)

#Sinkadus (Fredrick Karlsson): Aurum Nostrum (1997)

# Finisterre (Boris Valle): In Limine (1996). También en el proyecto en solitario del bajista del grupo, extrañamente denominado Finisterre Project (Osvaldo Giordano): Höstsonaten (1997)


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     Es curioso el caso del grupo canadiense de tributo a Génesis, The Musical Box, que, no toca mellotron sino que utiliza  sonidos sampleados en sus actuaciones en directo, con un teclista que para albergar el teclado se ha hecho construir un mueble muy similar al mellotron original del modelo 400.  También es cierto que sólo se fabricaron 2.500 aparatos, por lo que es muy difícil conseguir alguno.


     Recomendar un disco, del ’93,The Mellotron Álbum: Rime of the Ancient Sampler, que recopila 18 grabaciones actuales de distintos artistas, entre los que se encuentran  Mike Pinder, Patrick Moraz, Blue Weaver, Wooly Wolstenholme y David Cross.



                 Está claro que es un instrumento que forma una parte muy importante de la historia del progresivo y que a cualquier melómano no debe de pasarle desapercibido.



       
              Saludos mellotrónicos.





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Re: Minienciclopedia de instrumentos musicales
Respuesta #1 - 11.01.06 a las 11:28:49
 
yo rindo pleitesia a estas fotos...

son mis heroes Mueca
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Minienciclopedia de instrumentos musicales:Hammond
Respuesta #2 - 12.01.06 a las 23:17:25
 


   El Hammond es un Órgano electromagnético revolucionario que innovó por el uso del electromagnetismo y de la amplificación a través de bafles sueltos.

  Fue creado por el estadounidense Laurens Hammond (1895-1973) y su producción va desde 1935 hasta 1978.

Como características principales, este órgano presenta un mueble de madera, cerrado o con cuatro patas, de aspecto algo abarrocado con un sistema de 25 ( modelo B3) ó 32 ( modelo RRT3) pedales. En la consola, dos teclados de cinco octavas y encima cuatro juegos de nueve drawbars. Cuenta con un curioso altavoz giratorio instalado sobre un motor que rota a diferentes velocidades. Este sistema de amplificación, llamado Leslie, es en gran parte responsable de su característico timbre.
Aunque en su amplia historia Hammond ha comercializado un elevado número de modelos de órgano (más de 200), es la Serie C el órgano Hammond típico del rock progresivo.


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Si hasta 1971 abundan los discos en los que el principal instrumento de teclado es el órgano Hammond, a partir de ese año lo común es simultanearlo con mellotron, piano acústico o eléctrico o los cada vez más populares y avanzados sintetizadores analógicos (minimoog, ARP, VCS3, etc). Es la época del teclista virtuoso que se desenvuelve con igual soltura en todos estos instrumentos: Rick Wakeman (Strawbs, Yes en la época de su obra magna Close to the Edge), Patrick Moraz (Mainhorse, Refugee, Moody Blues) y Keith Emerson. A partir de 1973 el Hammond entra en franca regresión y es cada vez más raro encontrarlo con un papel relevante en grabaciones.

Keith Emerson con su trabajo en los Nice y luego con Emerson, Lake & Palmer (ELP) es sin lugar a dudas el organista más influyente, popular y exitoso de toda la música rock, ejemplo de virtuosismo, exceso y exhuberancia musical, todo lo cual le ha valido tanto grandes elogios como furibundas críticas. Con ELP inauguró el formato de trío dominado por un teclista virtuoso. Pionero en la introducción directa de piezas de música clásica en el rock progresivo y popularizador de los enormes y carísimos sintetizadores moog modulares, quizás su disco más interesante desde un punto de vista organístico sea Tarkus (71) con su peculiar uso de tonalidades poco exploradas.

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Otro organista perteneciente a la escena Canterbury fue David Sinclair del grupo Caravan. Su primer álbum de 1968 es excelente; en In the Land of Grey and Pink (1971) extraía del órgano un sonido similar al de una guitarra eléctrica.

Los primeros años de la década están plagados de excelentes grupos con fuerte presencia del órgano Hammond. En Inglaterra: Rare Bird (Graham Field), Van der Graaf Generator (Hugh Banton), Hardin & York (curioso dúo órgano-batería), Gentle Giant (con el excelente Kerry Minnear), Argent (Rod Argent), Beggar's Opera (Alan Park)…

En Francia destacar a los originales Ange (Francis Décamps toca un órgano Hammond modificado) cuya obra Le cimetihre des arlequins (1973) es todo un clásico. En Italia el Hammond constituyó una de las señas de identidad musical del lírico y melódico progresivo italiano basado en teclados, con grandes grupos como Banco del Mutuo Soccorso, PFM (Flavio Premoli) y Le Orme (Antonio Pagliuca).

Holanda originó toda una pléyade de grupos: Ekseption (Rick van der Linden), Alquin, Earth and Fire, Sandy Coast, Focus (Thijs Van Leer) y Supersister (Robert Jan Stips).

En Escandinavia arraigó particularmente bien el órgano Hammond en esta época, como atestiguan en Finlandia Wigwam; Kaipa o el virtuoso Bo Hansson en Suecia; Old Man & The Sea y T.P. Smoke (otro trío liderado por un organista y sin guitarra) en Dinamarca y Aunt Mary en Noruega.

Quizás fuera en los países de habla alemana donde el Hammond encontró mayor arraigo . El rock alemán de la época estuvo dominado fundamentalmente por teclistas. Destacan Frumpy (con la bestia parda del órgano Jean-Jacques Kravetz) o  Eloy (sobre todo Inside y Floating, con Manfred Wieczorke, luego en Jane).

En la actualidad el órgano Hammond vuelve a formar parte del arsenal de cualquier teclista de rock progresivo que se precie.



             Saludos armónicos



 

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Re: Minienciclopedia de instrumentos musicales
Respuesta #3 - 13.01.06 a las 02:29:23
 
Davol, muy buena la revision del organo hammond, pero te ha faltado un teclista muy importante: JOHN LORD de Deep Purple.  Guiño
Seguro que ha sido un descuido, pero es casi tan importante como lo fue Emerson y junto a este de los mas influyentes en toda la historia del Rock.
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Re: Minienciclopedia de instrumentos musicales
Respuesta #4 - 13.01.06 a las 21:06:31
 
Llevas razón, Antonio. Jon Lord, aunque no haya sido tan progresivo, sin duda es uno de los más grandes. Por cierto Davol, como siempre, estás hecho un crak! Guiño
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Minienciclopedia de instrumentos musicales
Respuesta #5 - 13.01.06 a las 21:19:58
 


    Gracias a los dos.  Sonrisa

     Es cierto, tuve un despiste y no lo incluí. Agrego pués un apunte de él:

      Jon Lord, quizás el organista más influyente tras Keith Emerson. El quinto LP de Deep Purple In Rock (1970) es uno de los discos de "hard rock" más influyentes y tipificó el empleo del órgano Hammond en dicho estilo musical en los años venideros y hasta la actualidad. En muchos de los discos clásicos de Deep Purple restringió e incluso eliminó el uso del leslie (en su lugar empleaba una potente amplificación) porque según él "le hacía ser perezoso tocando".


                      Saludos



Próximamente: el Minimoog. (lo siento, me gustan muchos los teclados)  Guiño



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Minienciclopedia instrumentos musicales:MiniMoog
Respuesta #6 - 14.01.06 a las 01:42:04
 
     

          El MiniMoog apareció en el verano de 1970, y se ha consagrado como el sintetizador más clásico de la historia. Su creador fue Robert A. Moog.



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   Su primer sintetizador modular, bautizado con su apellido, fue presentado al público en 1965. Era un enorme armario que conectaba los distintos circuitos que generaban y filtraban el sonido mediante cables que se podían intercambiar, como si se tratase de una centralita telefónica, para crear distintos instrumentos. En su corazón habitaba un filtro de paso bajo –un potenciómetro que corta las frecuencias más altas dejando pasar sólo los graves– que aún hoy sigue siendo el referente para todos los sintetizadores.


Walter Carlos –después conocido, tras una operación de cambio de sexo, como Wendy– popularizó su sonido en 1969 con el disco “Switched-on Bach”, unas llamativas reinterpretaciones del compositor clásico pasadas por los filtros del Moog. Fue una tarea titánica. Los sintetizadores digitales de hoy tienen botones que basta pulsar para obtener sonidos complejos sin saber ni pizca de acústica, electrónica ni síntesis, pero con los sintetizadores de aquella época había que construir el sonido desde los cimientos, como un edificio. El músico ponía a los osciladores a generar ondas de la forma deseada y luego las iba modificando, conectando osciladores con generadores de envolvente y con fuentes de modulación, y haciendo pasar todo por algunos filtros. Luego había que armar la pieza musical tocando cada parte y grabándola en una cinta de pistas múltiples. Si el músico daba una nota falsa, había que volver a empezar. El disco ganó tres premios Grammy, incluyendo el que premia al mejor álbum clásico del año, y animó a muchos otros a adentrarse en este nuevo camino musical. Dos años después, Wendy/Walter crearía para Stanley Kubrick la banda sonora de la película “La Naranja Mecánica”, homenajeando esta vez a Beethoven. ¡Cómo olvidar el sonido ondulante, azulado y profético de ese teclado tocando la novena sinfonía!



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Aunque pocos, el modular de Moog tenía sus defectillos. Era demasiado grande y delicado como para ir de gira y, además, seguía siendo caro para la mayoría de los músicos. A finales de los sesenta, Robert comenzó a trabajar en una versión portátil de su sintetizador. Keith EMERSON, todavía con The NICE, comenzó a usar el instrumento en sus presentaciones en vivo, animando a MOOG a fabricar versiones portátiles más pequeñas. Y así, en 1971, nació el MiniMoog. El sintetizador del pueblo: portátil, resistente, monofónico, cálido y con poco que envidiar a su padre modular, convirtiéndose rápidamente en parte integral del sonido progresivo. A mediados de los 1970’s MOOG ya había logrado fabricar un sintetizador capaz de tocar varias notas a la vez, el POLYMOOG, pero para ese entonces ya había varios competidores en el mercado: ARP, ROLAND, OBERHEIM, YAMAHA, KORG Y SEQUENTIAL CIRCUITS.



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   Estos son algunos discos de grupos progresivos donde aparece el miniMoog, polyMoog y Moog modular:

- Journey To The Center Of The Edge (Wakeman)
- Don't Kill The Whale (Polymoog)
- Wonderous Stories

-Trilogy (ELP) : Uno de los pocos temas en el que Emerson toco un minimoog,en este caso un modelo D.
(Emerson rara vez utiliza el MiniMoog, sino diversos sintetizadores modulares de Moog)
- ELP: Lucky Man (solo sencillo pero fabuloso)
- ELP: Blues Variations
- ELP: Tarkus (la suite al completo)
- 2 y 3.TOCCATA del Brian Salad Surgery

- YES: And You And I
- Eloy: The Sung Song (a pesar de que los fragmentos de MiniMoog de esta
cancion son bastante sencillos, tienen una gran magia)
-Celebration (PFM): Tarantella con sabor a miniMoog
-Journey TTCOTE (Rick Wakeman)
-Macrocosm (Brand X)
- Acquiring the taste, del Acquiring the Taste (Gentle Giant). En 1  
minuto con 36 segundos Kerry Minnear da una muestra de la ejecucion al  
minimoog a varias voces en registro grave, medio y agudo, en contrapunto  
e imitacion canon.
- Four Holes in the ground, del The World Became the World (versión al inglés de La luna Nuova, del L'Isola di niente) (Premiata  
Forneria Marconi). La introduccion de Flavio Premoli al minimoog es de  
antologia, apoyandose con un Hammond.


Moog falleció el 22 de agosto de 2005. Descanse en Paz, el creador de los sintetizadores análogos que llevan su nombre.


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Como homenaje, qué mejor que un video promocionado por él mismo de sus moogs.

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Por cierto, ¿conocéis algunos de los músicos que salen en este video?



                                    Saludos





Extractos de las webs: Wikipedia, Manticornio, LCDM,
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Minienciclopedia de inst musicales:Guitarra eléct.
Respuesta #7 - 15.01.06 a las 02:10:43
 


 

     
Guitarra Eléctrica:    Primera Parte
 

Tipo de guitarra que se ha generalizado en todo el mundo a partir de su difusión en los 50's, y que precisan amplificar su sonido para que sea audible.

Siguen la estructura de elementos de una guitarra acústica, con las siguientes diferencias:

•      Normalmente la caja es maciza (aunque hay modelos con cavidad resonante), ya que no están diseñadas para sonar sin amplificar.

•      Para ser amplificarlas disponen de pick-ups o pastillas (en general 3 o 3), transductores que convierten las ondas vibratorias en señal eléctrica analógica.

•      Llevan incorparado un pre-amplificador (con los correspondientes controles) para regular desde la misma guitarra el tono y el volúmen de la señal que se amplificará.

•      Finalmente, disponen de una conexión de salida dónde se enchufará el cable que llevará la señal al amplificador.
Utiliza cuerdas metálicas, siendo las 3 primeras de acero, y las 3 más graves entorchadas.


     Normalmente el sonido es estridente, enmascarado y, en general, bastante lineal. En esto tiene bastante influencia, no sólo la guitarra en sí, sino el tipo de amplificador utilizado. También se utilizan dispositivos electrónicos para modificar las características de la señal y añadir efectos sonoros enmascarados.
Si algo caracteriza a este tipo de guitarras es la libertad de diseño en cuanto a forma, colores, adornos, etc., con que se fabrican. Incluso se siguen líneas creativas diferentes en función del tipo de música y el perfil de los músicos a los que van destinadas.
Las guitarras eléctricas con caja hueca de resonancia normalmente se utilizan en Jazz, dónde se requiere un sonido más limpio y matizado.
Su afinación es la misma que en la guitarra clásica.


         Los nombres clave en la evolución de la moderna guitarra eléctrica de caja maciza son Lloyd Loar, Adolph Rickenbacker, Leo Fender y Les Paul. Gran parte del trabajo experimental se realizó en las compañías Fender y Gibson, que siguen dominando el mercado.

FENDER:



La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarStratocaster: Es apropiada para casi todo tipo de repertorios. Es el modelo de guitarra más difundido debido a la variedad de posibilidades sonoras que le brindan sus tres pastillas de bobinado único y su selector de pastillas de cinco posiciones, así como su palanca de vibrato que la hace especialmente adecuada para el rock duro.




La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarTelecaster: Nació para la música country (aún no existía el rock); se buscaban los sonidos brillantes de los banjos y de las guitarras metálicas (la mayoría de los solos de este género musical se interpreta con estas guitarras). Pero se adaptó muy bien al rock y es utilizada por guitarristas como Bruce Springsteen y Brian Adams. Lleva dos pastillas de bobinado único.



GIBSON:

La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarLes Paul: La versión más divulgada es la del modelo Standar, que tiene dos pastillas de doble bobinado (humbucker), y un selector con tres posiciones de pastillas. Es muy apropiada para tocar jazz y blues, así como diversos temas de los 60 y 70. En los 90 ha resurgido gracias a Guns'n'Roses, Gary Moore y los grupos grunge.




La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarGibson Sg: Aunque ahora parezca increíble esta guitarra surgió como reacción a la escasez de ventas de la Les Pauls en los años cincuenta, por lo que Gibson decidió buscar nuevos diseños. El modelo de la foto corresponde a la versión actual de SG, fabricada a partir de 1960, y que se caracteriza por sus dos recortes y bordes afilados.







La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarDe caja hueca: Pretende compaginar las cualidades sonoras de una guitarra acústica y el sostenimiento de una eléctrica, para ello su cuerpo combina una caja hueca con forma de "f" con un bloque de madera maciza en el centro para darle mayor sostenimiento y evitar los acoples producido por una excesiva vibración de la tapa. No es la favorita de los "rockeros" y su principal interprete es BB King.




La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarFlying V:   Hendrix fue quien más contribuyó a popularizarla. El modelo de la foto es una de las primeras Flying V, hecha en 1958.





La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarExplorer: En un principio esta guitarra tuvo muchos problemas y se calcula que se hicieron unas cien (que ahora son muy buscadas) hasta que interrumpió su producción en 1959. Era una concepción demasiado futurista para la época, aunque luego se relanzó en los setenta.





La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas EntrarFirebird: Apareció en 1963 como una versión "rebajada" de la Explorer, pero se plantearon problemas legales con Fender acerca del diseño, y en 1965 Gibson cambió la forma de sus guitarras. La que aparece en la foto es una reproducción de 1972 con sistema de vibrato Maestro




Otra guitarras: Rickenbacker, Charvel Jackson, Epiphone….





          ....continua en Segunda Parte....


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Minienciclopedia de inst musicales:Guitarra eléct.
Respuesta #8 - 15.01.06 a las 02:58:23
 
   
Guitarra Eléctrica:    Segunda Parte


Algunos guitarristas sobresalientes en el Rock Progresivo:



- Steve Howe:


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 Sensacional este hombre. Steve Howe muestra siempre una personal forma de tocar y conoce perfectamente las notas que debe tocar en cada momento para crear efectos al oyente. No me extraña la enorme influencia que ejerce sobre guitarristas más modernos. Howe se anticipó a su época, es original e inteligente en la composición de sus solos. A parte de los elementos característicos de Howe como su sonido y limpieza, hay que destacar elementos como su gran vocabulario musical.




- Robert Fripp:


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 Uno de los guitarristas más revolucionarios del pasado siglo Creativo e influyente en el Rock Sinfónico. Revolucionario con su música, Fripp se adelanta a su tiempo, como Jeff Beck o Allan Holsworth. Robert Fripp es un músico muy influyente e incluso en los guitarristas mas jóvenes, su música es el claro reflejo de su pensamiento contemporáneo. La red neuronal de Fripp tiene que ser bestial. Un guitarrista muy calculador.



- Frank Zappa:


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  Como guitarrista era buen interprete, dominaba la armonía sus solo son complejos, extraños y con buenos motivos melódicos, e incluso hay un libro trascrito sin cifrado con sus solos y donde las malas lenguas dicen que "si eres capaz de tocarlo entero, es mejor que cojas y tires la guitarra porque ya no tendrá secretos para ti" Como elemento particular de Frank para tocar, era la forma de coger la púa que como decía el propio Steve Vai "parecía que picoteaba las cuerdas consiguiendo un sonido grueso y acentuado" como hace en ocasiones Eric Jonson.




- Andy Latimer:


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 Con la guitarra tiene mas horas que un reloj, eso se puede deducir por el sustain que desprenden sus dedos, el tono y forma de vibrar.
Es un guitarrista muy seguro, pero no para correr. Suena muy limpio y bien en partes lentas o fraseos poco rapidos; y cuando vienen los momentos de velocidad tal vez pierde un poco esa limpieza total
Latimer no es un virtuoso, pero si inteligente con la musica.




- John Petrucci:


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 Este guitarrista ha marcado un antes y un despues en la musica progresiva. El y su banda han sido inteligentes tomando lo mejor de cada musica, pero con especial tendencia progresiva. Desde mi punto de vista tiene todas las caracteristicas del guitarrista moderno: tono, tecnica impecable, gusto musical, formacion musical, espontaneidad, capacidad de composicion, improvisacion... Con influencias reconocidas de Rush, Holsworth, Meola, Howe, U2, Jeff Beck, Kansas, Steve Vai, Steve Morse o J.S. Bach. Ha sabido utilizar las mejores armas de cada uno de sus predecesores influyentes, aparte de su ingenio propio. Es digno de mencionar y analizar por su calidad y elementos musicales que corresponden al contexto progresivo.




- Allan Holdsworth:


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 Impresionante, tal vez el mejor legato del planeta, innovador y creativo. Allan no cesa de utilizar tensiones y tensiones en su musica que la hacen tan interesante y futurista a la vez que usa escalas Hibridas, y unos intervalos tremendamente amplios, gracias a la amplitud de sus dedos que llegan a todos los "rincones" del mastil. Holsworth puede que tenga un problema y es que su musica es de tanto nivel que mucha gente no lo entiende, e incluso algunos musicos de alto cache dicen que tal vez se ha equivocado de instrumento, y deberia haberse dedicado al piano, seria el Lizt del futuro. Su musica es vanguardista, inteligente y compleja, ha desarrollado un legato muy fluido, y su tecnica ha servido de guia a muchos guitarristas actuales de primer orden. Contiene un vocabulario musical muy completo.




- Roine Stolt:


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 Un musico experimentado que cuenta con una formacion robusta y un sonido realmente bueno, opta por el efecto armonico de las sensaciones, y a pesar de los efectos que puede llevar (como todos actualmente), saca un sonido directo y crudo, tiene un buen tono, y apuesta por el desarrollo melodico mas que por el virtuosismo guitarristico.




- Steve Hackett:


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 Hackett es un musico muy respetado por innovar con sus tecnicas en la guitarra.




- David Gilmour :


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 Dave Gilmour es uno de los guitarristas más característicos del rock, gracias a su uso del eco, delay y distorsión.





     La historia del Rock Progresivo se ha escrito no sólo con estos grandes guitarristas sino con muchos más. Todos han  realizando un papel muy importante dentro de sus formaciones. ¿Qué hubiera sido de grupos como Camel, Yes, Génesis, King Crimson, Pink Floyd..., si no hubieran existidos en sus filas estos artistas?




                 Saludos con punteos





Extractos de las webs:
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El stick
Respuesta #9 - 27.01.06 a las 18:12:18
 
El stick es un instrumento joven, apenas unos treinta años, inventado en los 70 por Emmett Chapman. La idea principal de este instrumento es la de expandir la técnica guitarrera del tapping hast sus máximas consecuencias, de esta manera no se necesita una mano que rasge las cuerdas sino que ambas participan produciendo sonidos, de ahí que podamos decir que el stick combina la técnica de ejecución del piano con la sonoridad de un bajo y una guitarra (con todo lo que ello conlleva). Hay  diferentes modelos de stick: 8 cuerdas(Stick Bass), 10 cuerdas (Standard Stick) y 12 cuerdas (Grand Stick).
Posiblement el stickista más famoso y que más ha ayudado a difundir el instrumento haya sido Tony Levin a través de su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, aunque la lista de gente con la que ha tocado este hombre es impresionante: La visualización Multimedia y los Enlaces, sólo son visibles para los usuarios registrados.  Necesitas Entrar
Otro compañero de Tony Levin en King Crimson, Trey Gunn, comenzó con el stick para terminar evolucionandolo hacia la Touch / Warr guitar, que parte de las misma premisas que el stick, si bien la sonoridad que le proporciona el hecho de tener cuerpo lo apega sonoramente hacia la guitarra.
Un virtuoso del stick es Guillermo Cides, argentino creado del centro de stickista y que esta realizando una labor muy grande para difundir el instrumento, verlo tocar el solo, con el uso de delays, piezas de Piazzola o Bach, tocando el absolutamente todas las melodias es para emocionar y poner los pelos de punta.
Y bueno, poco a poco se va asentando en varios músicos, Mike Oldfield llevó a una stickista en su gira del TB3, Lana Lane tiene un fiel aliado en Don Schiff tambien stickista, si mal no recuerdo tambien el grupo cabezas de cera  o Gordian Knot incluyen este fantástico y heterodoxo instrumento.
Por último deciros que si alguien se anima a poner fotos que lo haga porque yo soy un negado y me estoy complicando  desconcertado
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Re: Minienciclopedia de instrumentos musicales
Respuesta #10 - 28.01.06 a las 00:54:11
 

 
     Gracias por la información, Grimble. Estas son algunas fotos de este instrumento:


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NS Stick



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Microfono The Block™ activo
(incluye microfono EMS).





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Mauricio de Cabezas de Cera                  





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Minienciclopedia de instrumentos musicales: Bajo
Respuesta #11 - 29.01.06 a las 21:09:33
 
 


Bajo: Primera Parte




    El bajo nació como un instrumento musical eléctrico de cuatro cuerdas, un híbrido entre la guitarra y el contrabajo,

    Hasta hoy en día el instrumento ha tenido muchas evoluciones, se ven con mayor cantidad de cuerdas (a veces hasta 6, 7 y 8), y con mayor cantidad de espacios o trastes (hasta 24 generalmente), aunque existe la variedad que no los posee, y se denomida "fretless" (literalmente, "sin trastes"). También del mismo ya han evolucionado incluso otros intrumentos, como el stick (mezcla entre bajo y guitarra, que se ejecuta utilizando la técnica de "tapping").

    Como instrumento, el término bajo proviene de que es el instrumento de cuerdas que produce los sonidos más bajos en tal categoría. El bajo se utiliza ampliamente en la música pop (en todas sus variantes), así como en el jazz y en general en todo el rock y metal. Por el contrario, en la música clásica el instrumento utilizado casi exclusivamente es el contrabajo (que es un instrumento «acústico», o sea que no necesita amplificación).
 
    El bajo eléctrico está construido de la misma forma que una guitarra eléctrica. Dispone de una base sólida, en las que están fijados uno de los extremos de las cuerdas. Debajo de las cuerdas se encuentran unas pastillas electromagnéticas (cápsulas o micrófonos), que captan el sonido de las cuerdas y lo envían a través de la línea (cable) al amplificador y a los altavoces. Según el modelo, se dispone de unas perillas giratorias (potenciómetros) que sirven para ajustar el volumen general o de cada cápsula, el nivel de bajos, medios o agudos (también llamado tono, del inglés tone), y para controlar efectos que puedan aplicársele.

       Se sabe que la guitarra es ejecutada normalmente con uñas y dedos, o con pajuelas (púas) de plástico, o combinando los tres. El bajo generalmente se toca con la yema de los dedos. Aun así, tiene otras manera de ser ejecutado, destacándose, además del uso de púas y palos, el slap (‘cachetazo’) golpeándolo con el dedo pulgar, el pop, estirando o pellizcando (pizzicato) las cuerdas, usando las yemas de los dedos, o el tap, apoyando las yemas de los dedos sobre las cuerdas contra el diapasón.

                 Usualmente el bajo es de gran importancia en el conjunto de instrumentos, destacando que produce sonidos musicales en armonía con la música y al mismo tiempo un efecto rítmico. Sin embargo, también logra cierta importancia en el area melódica y como un instrumento solista o con un papel más destacado en la banda según cada interprete.





     Muchas son las empresas que han comercializado diversos tipos de bajos, como son Hartke, Fender, Washburn, Gibson, MusicMan…



Hartke: Los bajos Hartke son una exelente opción, no son muy recomendables para rock, pero sin duda tienen una fidelidad muy buena. Llevan una alma de acero para evitar que el brazo se tuerza o se doble.


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Fender: Estos bajos son clasicos sus pastillas meten mucho ruido (mas las de las guitarras) pero sus pastillas tienen un sonido muy profundo, da los graves necesarios y tienen buen agudo sin ser lo mejor. Esta marca ha hecho leyenda en el mundo y lo han usado bajistas tan importantes; por mencionar unos Jaco Pastorius, Geddy Lee, Steve Harris etc...



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Washburn: Estos bajos se prestan para casi todo género, desde el Pop hasta el Metal. Tienen modelos acústicos y de 4, 5, 6 y 8 cuerdas. Es un buen sonido activo pero al parecer el sonido es un poco frio por las pastillas.




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Gibson: Los Gibson son muy usados por artistas como Twwigy Ramirez (Marilyn Manson) que usa el Tunderbird. Al igual que Fender esta marca es una leyenda para la música en especial el Rock.



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MusicMan: Son unos super bajazos, puesto que tienen un sonido único con  buena fidelidad.


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....continua en Segunda Parte....

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Minienciclopedia de instrumentos musicales: Bajo
Respuesta #12 - 29.01.06 a las 21:48:01
 
   
     
Bajo: Segunda Parte



    Bajistas destacados del Rock Progresivo:




   
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Chris Squire







   
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Tony Levin







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Geddy Lee





 
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John Wetton







 
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Greg Lake




   
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Mike Rutherford







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Roger Waters






 
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Peter Trewavas






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John Myung






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Jaco Pastorius







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Colin Bass







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Richard Sinclair





         
              Saludos


 





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Minienciclopedia de instrumentos musicales: ARP
Respuesta #13 - 31.01.06 a las 00:22:10
 
ARP
   
 

  Alan Richard Pearlman. nacido en 1926 en EUA. Instruido como pianista, se dedicó durante los años 60 a diseñar amplificadores para los programas Apollo y Gemini de la NASA.

   Pearlman, en 1969, creó la firma de instrumentos electrónicos Tonus Inc, (después más conocida como ARP, tras el éxito y aceptación de sus sintonizadores que fueron designados ARP). El primero de ellos, comercializado, en 1970, aún como tonus Inc. fue el ARP 2500. En la escena final de la película de Steven Spielberg, Encuentros En La Tercera Fase, la música de armonía y concordia entre los extraterrestres y los humanos está interpretada mediante un sistema modular ARP 2500 customizado para la ocasión, y el actor que lo interpreta durante el film, y que desempeña el papel del sintesista Jean Claude, no es otro que Philip V. W. Dodds, por aquella época vicepresidente de ARP Instruments. Asimismo los sonidos usados para recrear la "voz" del androide R2D2 en la saga galáctica de George Lucas, Star Wars están creados mediante un sistema semi-modular ARP 2600.



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ARP 2500




   Tras el 2500, irían apareciendo nuevos modelos: ARP 2600 (1970), ARP Odyssey (1972), ARP Soloist (1973) y ARP Omni (1975).



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ARP 2600




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 ARP Odyssey




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 ARP Soloist




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 ARP Omni






   El ARP2600 es un sinte que ha sido usado por todos los grandes músicos electrónicos, quizás el que mejor lo haya hecho haya sido Jean Michel Jarre, que aún lo tiene como uno de sus fetiches, y con el que consiguió sonidos increibles. Es un aparato semimodular, se supone que portable en una especie de maleta. Los sonidos que salían eran lo que le faltaba al minimoog. Con el, se puede conseguir desde el sonido de una gota de agua, al pad de cuerdas más precioso del mundo. Encima era "fácil" de programar, porque no tenía cables por todos lados, sino que las conexiones eran internas y estaba todo muy bien organizado. Sería  después con el ARP Odyssey cuando ARP se colará dentro de los minisintes e intentara desbancar al todopoderoso Robert Moog.




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   ARP 2600





   El Arp 2600 fue el sintetizador modular más importante de su época (1970-1981), y fue uno de los primeros sintetizadores disponibles comercialmente, ayudando a definir el sonido de una era musical. Disponía de tres osciladores controlados por voltaje, muestreo y mantenimiento, filtro resonante y otras características que lo convertían en un sintetizador modular extremadamente flexible que permitía interrumpir la ruta de señal predefinida mediante cables y un patch. Varios modelos de Arp 2600 fueron producidos, entre ellos el Blue Marvin y el Blue Meanie, el nombre de ambos correspondía al color de los páneles metálicos con que fueron pintados.



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   La versión original del Arp 2600 era una versión monofónica (sólo se podía escuchar una nota a la vez).

   Los primero músicos en incluirlo en sus grabaciones y presentaciones en vivo fueron: Pete Townsend (The Who “Who Are You”) y Stevie Wonder (quién mandó a hacer etiquetas de la matriz del 2600 en sistema Braile para ciegos). Otros músicos que lo usaron fueron:  Joe Zawinul de Weather Report, Peter Baumann de Tangerine Dream,  Edgar Winter en su tema “Frankenstein”, The Tubes, Miquette Giraudy de Gong, Tony Banks de Génesis en "And Then There Were Three",  Roger Glover de Deep Purple en “The Butterfly Ball”, Mike Oldfield y Ian Underwood de Frank Zappa.




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Jean Michel Jarre en el estudio de su apartamento en la Rue de la Trémoille, París (Francia), durante la grabación del clásico Oxygène. 1976.








  Hacia mediados de los 70´s lograron convertir el Arp 2600 en un instrumento duofónico (que podía emitir dos sonidos a la vez). Sólo se fabricaron 3.000 unidades de ARP 2.600, por lo que hoy en día, estas unidades de coleccionista son difíciles de encontrar y caras de mantener.




     En cuanto a los otros sintes, estos son los músicos que los han usado:

- ARP Odyssey: ABBA, Bomb The Bass, Ultravox, Gary Numan, LTJ Bukem, Air, Tangerine Dream, 808 State, Apollo 440, Nine Inch Nails, Astral Projection, Chick Corea, George Duke, Josef Zawinul, John Foxx, Vangelis, Elton John, Jethro Tull, Jimmy Edgar, DEVO, R.E.M. y Herbie Hancock.


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Vangelis Papathanassiou durante la grabación de su álbum China en los Nemo Studios, Londres (Reino Unido), finales de 1978.




- ARP Soloist: Tangerine Dream, Tony Banks (Genesis), Coldcut, Gary Numan, Herbie Hancock, Patrick Moraz, Billy Preston, John Entwistle, Billy Preston, y Vangelis.

- ARP Omni: Tangerine Dream, The Cras, Joy Division, Kraftwerk, Trouble Funk, y New Order.


                   

                                     
                                                 Saludos









Extractos de las webs:

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Minienciclopedia de instrumentos musicales: Piano1
Respuesta #14 - 12.03.06 a las 21:32:43
 
Piano


Primera Parte:

 Introducción


   El Piano, es un instrumento de cuerda con un teclado derivado del clavicémbalo y martillos y cuerdas derivados del dulcémele. Difiere de sus predecesores, sobre todo, en la utilización del sistema del martillo impulsado hacia las cuerdas por la tecla, que permite al intérprete modificar el volumen mediante la pulsación fuerte o débil de los dedos. Por esta razón el primer modelo (1709) se denominó gravicembalo col piano e forte (‘clavicémbalo con suave y fuerte’). Su creador fue Bartolomeo Cristofori (1655-1731), fabricante de clavicémbalos florentino, al que se considera inventor del instrumento en 1698.

  Las primeras composiciones específicas para pianos hacen su aparición en 1732. Son las famosas 12 sonatas para piano de Giustini. En 1762 se produce el primer concierto de piano en toda la historia realizado por Henry Walsh en Dublin. En 1773 se publican las famosa sonatas para piano Opus 2 de Muzio Clementi que intentan utilizar al máximo los recursos del piano.

  La peculiar historia, características técnicas, posibilidades musicales y la, no del todo explicada, repercusión social de este instrumento, hace que le haya dedicado una atención especial.

  Quizás su polivalencia, la capacidad de adaptarse a (y ser adoptado por) multitud de estilos y movimientos musicales, sus posibilidades sonoras, etc. han hecho que este instrumento, que en sus inicios no parecía tener muchas posibilidades de hacer historia, haya llegado a ser uno de los más populares (si no el más popular de todos) en la sociedad actual, superando incluso la evolución tecnológica que, en un principio parecía su gran enemigo, ya que la electrónica y la informática parecieron, en algún momento, llegar a ser sus grandes competidores.

  Así como el clavecín y el clavicordio (incluso el órgano, con sus tremendas posibilidades tímbricas), se limitaron finalmente a una función bastante específica, el piano consiguió diversificar sus funciones de una manera increíble. Los grandes compositores, algunos de los cuales lo criticaron en un principio, llegaron a crear un lenguaje para él, además de que lo adoptaron como el instrumento que les permitía expresar, él solo, conceptos camerísticos y orquestales, dada su capacidad de polifonía. Y quizás sea el único instrumento al que algunos grandes compositores se han dedicado de manera exclusiva.


 Estructura básica


    El piano consta de cuatro partes principales: caja, cuerdas, mecanismo y pedales. La caja suele construirse en madera de abeto o de haya y se coloca horizontalmente en el piano de cola o verticalmente en el piano vertical.

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Los componentes principales de un piano son:

•      La tapa armónica. Al igual que en otros instrumentos de cuerda, es el elemento de resonancia que amplifica el sonido generado en las cuerdas, y es uno de los principales componentes por lo que respecta a la calidad del sonido del piano. Generalmente de madera de abeto, en el piano de cola puede tener un grosor de 8 milímetros.

•      La caja o mueble. Aunque su forma puede tener alguna importancia respecto al sonido resultante, el color del mueble de un piano resulta del todo indiferente, aparte de la estética. Está fuertemente reforzada para sostener la placa de hierro fundido, que soporta las cuerdas y el clavijero.

•      Las cuerdas que, en un instrumento considerado "standard", son 224, con una tensión que oscila entre 15 y 20 toneladas y se tensan sobre un puente, al igual que pasa con el resto de instrumentos de cuerda. Son de varios tipos, según pertenezcan a la sección de graves o al resto. Los bordones (cuerdas para los sonidos graves) constan de un alma de acero con un entorchado de cobre. El resto son de acero duro al carbono y trefiladas.

•      El clavijero está colocado en la parte del piano cercana al teclado (hablamos de un piano de cola) y en él van sujetas las cuerdas con un sistema que permite su afinación.

•      El teclado y la maquinaria con el mecanismo encargado de transformar el movimiento de la tecla en percusión sobre la cuerda.

•      Los pedales y sus mecanismos respectivos.

•      La tapa del mueble no exenta de importancia, ya que tiene la función de proyectar el sonido generado en el instrumento hacia el público, además de su función obvia de cerrar el mueble.


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